Cela fait longtemps que je voulais parler ici du Mégaphone Tour. Je suis très "fan" de cette opération concrète d’aide à l'émergence, de soutien, d’accompagnement et de développement par la scène des talents de demain.

Comme l'indique le site internet, chaque année, 12 auteurs-compositeurs-interprètes, préalablement sélectionnés, partent sur 4 tournées dans 4 grandes Régions de France (Sud Ouest, Sud Est, Nord Est, Nord Ouest), proposant ainsi un plateau découverte de 3 artistes en bas de chez vous ...

Chaque tournée est composée d’une dizaine de concerts sur trois semaines, dans des lieux de diffusion offrant des conditions professionnelles. Le dispositif permet une mise en lumière, tout au long de l’année, en proposant aux groupes de jouer dans des salles de concerts partenaires. A plus long terme, le Mégaphone Tour assurera sur des festivals une présence estivale pour les 12 artistes ou formations sélectionnés de l’année. Ces plateaux composés de 3 artistes, jouant chacun 30 min, permet d’offrir une diversité musicale et un plateau « découverte » au public, représentatif de la scène émergente. Le Mégaphone Tour propose un concert «chez les gens », cherchant la rencontre entre l’artiste et son public dans un rapport de proximité.

Caroline Guaine, madame Mégaphone Tour, avec Martin Luminet, OUEST et Laura Cahen.

J’ai proposé à la directrice du Mégaphone Tour, Caroline Guaine, de rencontrer les artistes actuellement en tournée pour les faire témoigner. Je voulais notamment savoir comment ils vivaient cette expérience. Je suis allé rejoindre Laura Cahen, OUEST et Martin Luminetau Celtic de Tarbes, le 2 février dernier. Nous nous sommes enfermés dans un appartement au-dessus de la salle et je les ai « cuisinés ». 

Les forces en présence :

Laura Cahen (par Éric Reinhardt, écrivain):

"Elle se décrit comme une éponge à sentiments, se nourrissant de la vie des autres, de films et aussi de livres, qui peuvent connaître d’amples répercussions dans son monde intérieur, si elle est émue. Quand elle écrit, elle part d’un mot ou d’une image et déroule le fil de ses sensations jusqu’à écrire un texte entier, dont à la fin elle découvre stupéfaite qu’il parle avec netteté de ce qu’elle est en train de vivre, et d’elle : ainsi, pas intellectuelle pour deux sous mais plutôt sensitive, instinctive, inquiète et un peu animale, un animal inoffensif et un peu triste, Laura Cahen ne part jamais du sens mais y aboutit, dans la forme finale des chansons qu’elle a écrite. Et cette forme finale est souvent puissante, elle vous emporte dans ses élans comme si chacune était une promesse de libération et qu’au bout, au bout de la chanson, au bout du voyage mélodique, visuel et vocal, au dénouement des sensations qu’elle sait créer, l’auditeur enivré serait sauvé. Quand elle chante, la voix de Laura Cahen est singulière et attachante, avec une forte identité… Une voix claire, aigüe et haute, avec en même temps une profondeur cuivrée qui apparaît au fond de certains mots, une dimension organique de fanfare, avec des cuivres, des trompettes, une grosse caisse, des cymbales, en plein air, sous un ciel de printemps…"

Un premier album vient de sortir, Nord.

OUEST : Après avoir écumé les scènes de France, de Chine et du Québec, Jef Péculier, l’ex-guitariste de La Casa, remonte en selle sous le nom de OUEST. Le projet voit le jour en Janvier 2014, OUEST écrit, compose, arrange et enregistre guitares, claviers et sample pour donner naissance à une folk-rock en français. Pour le live, il fait appel au bassiste Xavier Vadaine et au batteur Corentin Giret. 

Après une période de résidence au 6PAR4 à Laval au printemps 2015, une belle aventure débute et le projet prend forme après une quinzaine de concerts et un accueil très enthousiaste auprès du public et des professionnels. Un premier EP vient de sortir.

Martin Luminet :

Martin Luminet s’inscrit dans la lignée de ces chanteurs qu’on aime appeler « chanteurs à souhait », qui n’en font ni trop, ni pas trop trop.

On retrouve dans ses chansons de doux paradoxes et l’entêtante idée de pouvoir vivre avec des incohérences, des faiblesses, des aveux d’impuissance et des regrets paisibles. Dans ses chansons on a le droit d’être maladroit, de souffrir de jolies choses, d’être heureux de travers, d’aimer quelqu’un de loin, de faire des chansons tristes qui rendent heureux, bref, on a le droit d’être pas droit. Martin Luminet a le même âge que les garçons de 1989 et présente pour la première fois son projet le plus intime sous la forme d’une Pop Sensible qui s’évertuera à démontrer qu’il est possible de pleurer en dansant.

Un premier EP vient de sortir, Bande Annonce.

Interview :

Vous connaissiez le Mégaphone Tour ?

Martin Luminet : Plusieurs personnes à Lyon m’en avaient parlé en me signifiant que ce serait une bonne idée que je me présente. Ils ont bien fait parce que je trouve cela remarquable.

Laura Cahen : J’en ai entendu parler depuis un moment parce que je connais des artistes qui sont passés par là. J’y participe parce que Caroline Guaine m’a appelé pour que je devienne la marraine de cette tournée dans le sud-ouest.  

OUEST : C’est mon manager qui m’a incité à me présenter. Il m’a parlé de ce dispositif. J’ai été auditionné, sélectionné et aujourd’hui, je suis sur le Mégaphone Tour. Et j’en suis très heureux.

L’idée de partir trois semaines sur la route avec d’autres artistes qu’on ne connait pas, c’est enthousiasmant ?

OUEST : C’est aussi le but de notre métier que de se retrouver sur scène avec d’autres artistes. En tout cas, entre nous, ça se passe très bien. C’est une vraie joie pour moi de tourner avec Laura et Martin. Il y a une vraie intimité qui se forme. Ça fait une semaine que nous sommes dans le même mini bus. On arrive dans des lieux différents, accueillis par des gens différents… c’est toujours un peu le suspens. Nous vivons la même chose, alors ça crée des liens.

Martin Luminet : Je pense que ceux qui nous sélectionnent prennent en compte l’humain. Caroline Guaine sait que nous partons quelques jours ensemble, je pense qu’elle doit veiller à mettre des artistes qui n’ont pas des caractères aux antipodes des uns des autres.

Laura Cahen : Oui, c’est sûr elle doit choisir en fonction des personnalités.

Laura Cahen : clip de "Froid".

Vous avez écouté ce que faisaient les autres avant de partir ?

Martin Luminet : Laura, je connaissais parce qu’elle est déjà un peu connue. J’aimais bien. Quant à OUEST, nous nous sommes rencontrés à la soirée d’inauguration. Nous savions que nous partions ensemble, nous nous sommes donc échangés nos CD. J’aime aussi ce qu’il fait. Et je ne dis pas cela par politesse.

Laura Cahen : Moi, je viens tout juste d’avoir les CD de mes « filleuls », je vais donc les écouter très vite. Mais, évidemment, je suis allée voir sur Internet ce qu’ils faisaient.

OUEST : J’ai écouté cet après-midi l‘EP de Laura, mais, moi aussi, je la connaissais d’avant. Martin, je suis allé voir sur Internet un clip de lui. Bien sûr, les artistes ont cette curiosité de savoir avec qui ils vont vivre une aventure commune.

Pendant l'interview (1)

Ce qui est génial avec vous trois, c’est que vous avez des univers très différents. Ca ne déstabilise pas le public ?

Laura Cahen : Non, au contraire. Martin commence le spectacle, en douceur et humour. Les gens sont conquis. Ensuite, c’est moi, je ne peux pas trop en parler (rires).

OUEST : Elle charme le public immédiatement, elle irradie et rend radieux le public. Moi, je fini la soirée.

Laura Cahen : C’est le moment le plus rythmé. Il conclut en beauté.

Martin Luminet : Nous sommes sur des esthétiques différentes sur scène, mais nous avons remarqué que nous avons beaucoup de points communs, comme par exemple l’amour du français. Ce n’est pas parce qu’on a choisi de défendre une esthétique qu’on n’aime pas celle des autres.

OUEST : Clip de "Les aviateurs".

Ce soir, vous jouez dans un pub.

Laura Cahen : On joue dans toutes sortes de salles, c’est ça qui est bien. Depuis qu’on a commencé, on a joué dans une chapelle, dans un club et dans un bar.

Le Mégaphone Tour vous apporte quoi concrètement ?

Martin Luminet : Je cherche surtout à me connaître scéniquement. Savoir comment arriver le plus simplement devant le public, surtout dans une configuration où on n’est pas dans une salle plongée dans le noir, mais au milieu des personnes. J’essaie de trouver ce subtil équilibre entre le plateau et le public.

Laura Cahen : Pour moi, être seule avec ma guitare et un piano, c’est une belle expérience parce que je suis, la plupart du temps, avec trois autres musiciens. Là, je viens de faire 8 dates en solo. Ça me permet aussi d’aller dans des lieux où je n’ai jamais joué et de rencontrer probablement un nouveau public. Et puis, enchainer les dates, ça fait du bien.

OUEST : Nous avons une soif de faire des dates. C’est quelque chose qui nous nourrit. Quand on est un artiste en développement, il est difficile d’accéder aux SMAc (note de mandor : Le label SMAc est un dispositif créé et soutenu par le Ministère de la Culture, qui regroupe environ 150 divers lieux musicaux de petite et moyenne capacité, dédiés aux musiques actuelles/amplifiées), aux centres culturels, bref, aux grosses structures. Pour y accéder, il faut avoir beaucoup de notoriété, de la promotion, un tourneur. Avec le Mégaphone Tour, on est sur des petits lieux qui correspondent aux développements des artistes. Il en faudrait 12 000 des structures comme le Mégaphone Tour.

Laura Cahen : Personnellement, le fait de jouer 8 concerts en solo, ça m’aide à savoir comment je réagis dans des conditions différentes. Et comme Martin, ça me permet de me connaître mieux. Je vois ce qui marche et ce qui ne marche pas. Je tente aussi des choses. Non, vraiment, je trouve ça très bien.

Martin Luminet : Et ça doit aussi te rassurer de constater que tu peux tenir la baraque seule.

Laura Cahen : Exactement.

Martin Luminet : "Pardonnez-moi" en version acoustique.

Il y a une envie de chacun de faire mieux que l’autre ?

Laura Cahen : On a juste envie d’être bons. Nous avons des univers tellement différents qu’on ne pense pas à une quelconque rivalité. On n’apporte pas du tout la même chose au public. Nous essayons de les emmener chacun dans notre monde.

Martin Luminet : Quand les gens viennent voir un triple plateau, j’ai l’impression que les gens jouent vraiment le jeu. Il y a beaucoup de respect et de curiosité de la part du public. C’est assez impressionnant.

OUEST : Ce qui est sympathique entre nous, c’est que nous avons eu les mêmes ressentis chaque soir. Il y a un soir où on a dit tous les trois que nous n’étions pas au meilleur de notre forme. Il y a eu un autre soir où c’était l’euphorie pour tous les trois.

Pendant l'interview (2)

Vous avez tous les trois des disques très produits. Là, vous êtes sans grosses machines. Vous êtes tel que vous êtes. Ça aussi c’est un défi ?

Laura Cahen : Je construis mes morceaux en guitare voix, donc cette formule est l’essence de ma musique. Retrouver le guitare-voix me permet peut être de suspendre le temps, d’avoir un temps élastique. Ça m’intéresse pas mal.

OUEST : Moi, je suis un peu l’exception. La formule du Mégaphone Tour permet de partager le cachet avec un deuxième musicien si on en a envie. Du coup, j’ai décidé de partager la scène avec mon batteur qui, lui, est venu avec un tom basse et son sampler avec mes productions à l’intérieur. On emmène donc un peu plus de volume sonore, c’est la raison pour laquelle je termine le spectacle. Mais ça reste quand même une adaptation, une nouvelle création.

Martin Luminet : Moi aussi, mon EP est plutôt pop. Quand on arrive en studio, on a tous la tentation d’étoffer la musique qu’on a créée dans sa chambre. Comme ma participation au Mégaphone Tour se juxtapose avec un lancement de projet, j’avais besoin de présenter mes chansons nues. Je ne voulais pas essayer de séduire les gens par la forme, mais plus par ce que mes chansons racontent. Si ça marche, ça me donnera un peu de confiance et je saurai que je qu’elles valent la peine d’être jouées en groupe. Ce sont des propos et des thématiques assez intimistes, donc je pense que cette formule piano-voix, fragile, fébrile même, c’était l’idéal.

Les artistes à la fin du spectacle. Au Celtic à Tarbes.

Vous vous mettez en danger ?

Laura Cahen : Oui. Ce n’est pas très naturel d’aller se mettre sur une scène et jouer des chansons devant des gens.

Martin Luminet : Ce qu’il y a de paradoxal là-dedans, c’est que ce sont souvent les plus timides qui se retrouvent sur scène. On a envie de se planquer, mais il n’y a pas d’autres moyens pour nous d’exprimer ce que nous avons à dire.

OUEST : Dans la vie, j’ai le verbe et la parole facile, mais à partir du moment où on est sur scène, il se passe plein de choses. Le regard et le jugement des gens, on se livre, on se met à nu.

Martin Luminet : Il y a des choses que l’on arrive à crier au public que l’on ne dirait pas à sa propre famille autour d’une table.

Pendant l'interview (3)

Le Mégaphone Tour a ceci de particulier que les artistes jouent dans des petites salles, donc avec une réelle promiscuité avec les gens.

Laura Cahen : C’est très intime. J’aime bien être proche des gens. J’aime bien les sentir. J’ai du mal quand le public est loin parce que j’ai l’impression que je ne comprends pas ce qu’ils ressentent. Ça me gêne. Là, ils sont très proches, c’est assez magique.

Martin Luminet : Il y a des moments de silence et nous sommes tous les trois attachés à ça. La part de silence dans une chanson est un bon indicatif de comment se passe la soirée.

C’est un peu une colonie de vacances le Mégaphone Tour ?

Laura Cahen : Complètement.

OUEST : Mais c’est une colonie studieuse et organisée. C’est une colonie de vacances qui se mélange avec une sortie de classe, genre « sortie découverte ».

Martin Luminet : Le Mégaphone Tour n’est pas du genre : « montez dans le camion, on vous emmène ». Il y a aussi : « on vous montre comment marche une tournée », certainement pour nous responsabiliser.

Laura Cahen : Moi, j’avoue que je me laisse pas mal porter par le vent.

Martin Luminet : Mais tu n’es pas oisive et passive.

Pendant l'interview (4)

Laura, tu as la marraine. Tu as un rôle précis à jouer ?

Laura Cahen : Je n’ai pas fait partie du dispositif de repérage. Pour le Mégaphone Tour, ce qui pourrait être bien dans les années à venir, c’est de créer un lien avec les filleuls. J’adore Martin et OUEST et je suis hyper contente d’être avec eux, mais c’est bizarre d’être la marraine de deux artistes avec lesquels je n’avais jamais parlé. Ce serait bien que les parrains voient qui sont les artistes et de les choisir. Tu t’imagines, si je n’aimais pas du tout OUEST et Martin ! Là, ça tombe bien en tout cas. Je les aime mes petits cocos (rires collégiales).

Ça fait une semaine que vous êtes ensemble, j’imagine que vous resterez en contact après cette aventure.

Martin Luminet : Ce qui est sûr, c’est que ça sème une petite graine. Moi, je sais qu’avec Laura et OUEST, j’aurais bien envie de partager des trucs. Les hasards de la vie feront que l’on se recroisera où pas.

Laura Cahen : Ce n’est pas rien de passer deux semaines ensemble, jour et nuit. On va rester en lien, c’est une certitude… et je vais suivre de très près leur parcours.

OUEST : Moi, je suis ravi du comportement humain de mes deux acolytes et j’adore ce qu’ils font. Je ne vais pas me priver de vanter leurs mérites à mon entourage.

Précisions : A la fin de l’entretien, j’ai interrogé ces trois artistes sur leur disque respectif. Mais, c’était si sommaire que j’ai pris la décision de les mandoriser tous les trois, en tête à tête, parce qu’ils valent vraiment le coup. Ils sont tous d’accord. Alors, à suivre …

Après l'interview, de gauche à droite, Martin Luminet, OUEST, Laura Cahen et Mandor, le 2 février 2017.

Et ci dessous, un polaroïd signé "Le Celtic" avec à gauche, Marie du Mégaphone Tour. Merci à elle pour l'accueil et sa disponibilité. 

Michèle Bernard à la remise des Prix de l'Académie Charles Cros le 24 novembre 2016.

(Photo : Caroline Paux)

J’ai vu Michèle Bernard pour la première fois le 24 novembre dernier lors de la remise des Prix de l’Académie Charles Cros (Grand Prix du disque « chanson » pour son album Tout’Manières). C’est une honte pour un journaliste qui se prétend « spécialiste de la chanson française ». Comment être passé à côté de cette formidable chanteuse, aux textes lucides et puissants, drôles et émouvants et complètement dans l’air du temps ? Il n’en reste pas moins que Michèle Bernard n’est pas reconnue à sa juste valeur par l’ensemble de la profession… Heureusement, certains la réhabilitent comme il se doit (comme Télérama (Valérie Lehoux) et RFI(Patrice Demailly))

De mon côté, je suis allée la rejoindre dans un appartement parisien, le 25 novembre 2016 pour une première mandorisation (mon Dieu, j’ai honte).

Argumentaire de presse :

Michèle Bernard trace depuis longtemps son chemin d’humanité. Sur le fil d’une vive conscience du monde, de ses égarements et ses espérances, elle tricote des chansons lucides et tendres, des chansons d’alerte… Dans Tout’Manières, elle pose un regard vif et sans complaisance sur le monde et ses dérives, à travers ces petites choses de rien qui nous entourent : des brocs bleus, un savon d’Alep, une serpillère, des petites boites… Avec toujours cette force de vie qui fait qu’on continue à chanter, à lutter, à aimer en 14 chansons. 

Ce CD a obtenu 4 Clés Télérama.

Biographie :

Après le conservatoire d'Art dramatique de Lyon, suivi de quelques années de théâtre, Michèle Bernard choisit très vite LA CHANSON, d'abord comme interprète, puis comme auteur et compositeur. Elle est, depuis 1975, "sur ces routes grises", enchaînant tournées en France et dans le monde.
On lui demande parfois des musiques pour le cinéma, la télévision, le théâtre ou la danse.
Elle signe quelques mises en scène, écrit pour les enfants, et enchaîne les créations (Divas'Blues/ Voler/ Une fois qu'on s'est tout dit/ L'Oiseau Noir du Champ fauve, cantate pour Louise Michel/ le Nez en l'Air/ Dans le lit de l'eau/ Des Nuits Noires de monde/ Sens Dessus Dessous).
Interprète dans la comédie musicale d'Anne Sylvestre : Lala et le cirque du vent.

Elle intervient dans de nombreux stages et ateliers et organise, au sein de l'association « MUSIQUES A L'USINE » à Saint-Julien-Molin-Molette (42), toutes sortes de festivités autour de la chanson (Les Oiseaux Rares).

Interview :

Vous avez encore une fois été honorée par l’Académie Charles Cros.

Oui, et c’est la 5^e fois. J’ai reçu ce  prix la première fois pour mon premier 33 tours, en 1978.  Symboliquement, le fait que je reçoive cette reconnaissance de la part de cette Académie m’incite à penser que je ne suis pas trop à côté de la plaque. Pour moi, c’est un prix particulier parce qu’il est délivré par des gens qui aiment la musique et qui savent de quoi ils parlent. C’est un prix loin du commercial.

Sans être très médiatisée, vous avez un large public qui se déplace dès que vous êtes sur scène.

C’est pour cela que je continue. Si je n’avais plus aucun écho dans ce que je fais, je m’arrêterais.

Votre public est très fidèle.

Il y a ceux qui m’ont découvert avec mon premier disque et qui continuent à me suivre. Et comme ces dernières années, j’ai  ouvert mes activités du côté des enfants, ça m’a fait accéder à un public plus jeune ainsi qu’à leurs parents. Désormais, je me demande ce que je peux écrire qui soit universel pour toucher à la fois les petits et les grands.

C’est plus difficile d’écrire pour les enfants ?

Je ne sais pas. Il faut retrouver le maximum de simplicité et d’authenticité. Cela dit, c’est la même démarche quand j’écris pour les adultes. L’exigence d’écriture est exactement la même. Il faut peut-être plus retrouver l’enfant qu’on a été pour regarder les choses avec une certaine fraicheur. La seule différence est au niveau des thèmes abordés.

Peut-on tout aborder avec les enfants ?

Je crois que oui. Les grands thèmes qui angoissent ou qui font plaisir sont les mêmes pour les adultes et les enfants.

Les artistes sont de grands enfants, j’ai l’impression.

Surement. Beaucoup d’artistes sont des gens qui essaient de régler des comptes positivement avec leur enfance. Personnellement, ce que j’ai pu ressentir pendant mon enfance et ma jeunesse est devenu mon moteur.

"Tout'Manières" extrait de l'album Tout'Manières.

Vous étiez comédienne, et finalement, vous avez préféré embrasser la carrière de chanteuse. Pourquoi ?

Ça s’est fait petit à petit, mais tout naturellement. Quand j’étais ado, j’étais très attirée par le monde des artistes tout azimut. Je faisais de la peinture, je suis allée au conservatoire de théâtre à Lyon, je faisais du piano, puis je me suis mise à écrire des chansons. Je baignais dans une envie de choses artistiques. Pour être plus précise, j’ai commencé dans le théâtre pour enfants et comme il y a beaucoup de musique et de chants dans ce genre théâtral, je me suis achetée un petit accordéon et je me suis mise à chanter. Je me suis vite aperçue que la voix chantée me donnait beaucoup plus de plaisir, de liberté, d’aisance.

Vous chantiez quoi quand vous avez décidé de prendre cette voie ?

Je n’étais qu’interprète. Je chantais évidemment Anne Sylvestre, des chanteurs de la rive gauche, du Francis Blanche, du Jacques Debronckart, du Georges Brassens.

Que des auteurs exceptionnels !

J’ai chanté ces auteurs-là, je me suis imprégnée de leur manière d’écrire, mais sans me le formaliser. A un moment donné,  j’ai voulu raconter mes propres histoires. C’était un besoin d’expression qui s’imposait à moi. Mes premiers textes sont venus spontanément, parce que c’était des choses qui me brûlaient à l’intérieur. J’ai regardé comment les textes de ces auteurs fonctionnaient et, au début, je les imitais.

Dans votre chanson en duo avec Anne Sylvestre, vous dites beaucoup sur ce métier.

C’est un métier cruel. C’est la loi du marché, de la mode. Des gens comme moi font partie du petit peuple de la chanson. On parvient à vivre de la chanson, on se produit dans toute la France et parfois plus loin, mais on a une absence de notoriété médiatique abyssale.

Pour moi, Anne Sylvestre et vous êtes victimes de cette énorme injustice… mais les gens qui aiment la chanson vous célèbrent. Eux, ils savent ce que vous êtes.

C’est peut-être une médaille à la ténacité (rires). Mais vous savez, le milieu des amateurs de chansons françaises est finalement un petit milieu. Ce que je trouve difficile c’est l’idée que plein d’autres personnes, plus jeunes, pourraient apprécier, mais ne peuvent pas accéder à nous. Il me semble qu’Anne Sylvestre et moi sommes ringardisées par un certain langage médiatique. Ça fout les boules…

Clip de "Je clique", extrait de l'album Tout'Manières.

Dans votre nouvel album, il y a des chansons très modernes et d’actualité. « Je clique », « Savons d’Alep »…

Ce ne sont pas des sujets de grand-mères (rires). J’évoque des sujets d’aujourd’hui.

S’il n’y a pas d’espace médiatique en France pour cette chanson-là, elle parvient tout de même à se faire écouter.

Il y a en France un réseau de salles, d’associations, d’individus qui se fédèrent pour inviter des spectacles. La chanson se diffuse, quoiqu’il arrive.  

C’est un combat ce métier ?

Là où j’en suis rendue, je ne suis plus dans le combat. Je continue tout en mesurant mon impuissance devant comment les choses fonctionnent dans la société. Le combat, c’est de continuer à proposer ce genre de chansons. Et en continuant, je me fais du bien aussi à moi-même. J’ai consacré ma vie à la chanson, donc je m’arrêterai quand je n’aurai plus la force de continuer.

Parfois, vous abordez des sujets graves, mais il y a toujours de l’espoir dans vos chansons…

Je ne peux pas faire des chansons plombantes complètement. Il me faut une petite lueur dans un coin, un pôle positif quelque part.

Allez-vous voir des jeunes sur scène ?

Etant en région lyonnaise, ce sont beaucoup des artistes de coin-là. Il y en a des très talentueux. Il y a une fille qui s’appelle Lily Lucasqui écrit des choses très finement, aussi drôles que pointues et sensibles. J’aime aussi beaucoup Fréderic Bobin. Il écrit avec son frère de magnifiques chansons. Enfin, j’ai envie de vous citer Jeanne Garraudet Claudine Lebègue, parmi les gens que je suis de près.

Vous avez toujours de l’inspiration où vous en trouvez quand il s’agit de faire un nouvel album ?

C’est un mélange des deux.  Tous les jours, je pense chanson. Dans ce que j’ai pu vivre, voir, entendre, je me demande toujours ce qui ferait une bonne chanson. Ce n’est pas pour autant que j’écris. Pour écrire vraiment, je m’enferme et je me consacre à cette activité. Il faut se concentrer pour bien prendre le temps de laisser remonter les choses.

Vous êtes exigeante avec vous-même ?

Je boucle rarement une chanson en une nuit. Il faut y revenir. C’est un peu comme une sculpture. On a une masse, on la sculpte, on l’affine, on remplace un mot par un autre. Ça peut prendre du temps…

C’est jubilatoire d’écrire ?

C’est jubilatoire d’avoir trouvé un super couplet. Souvent, je me dis que ce que j’écris est d’une platitude… c’est un passage douloureux. Alors quand j’arrive à trouver l’image, la manière d’exprimer une idée, à se faire rencontrer les mots de manière riche, j’en éprouve une grande satisfaction. Qu’est-ce qui va faire qu’une expression que l’on a trouvée va toucher ? Il y a quand même une part de mystère…

Un auteur n’est pas maître de tout ?

C’est bien de ne pas tout contrôler.

Y a –t-il des sujets que vous ne parvenez pas à aborder ?

J’ai un peu de mal à écrire des chansons d’amour. Il n’y en a pas dans ce dernier album. Il est plus dans le monde social et beaucoup dans l’amitié.

C’est parce que vous êtes pudique ?

Oui, un peu. C’est tout le paradoxe quand on fait un métier où on se met en avant.

Est-ce que vous ne craigniez pas d’avoir tout dit dans vos chansons ?

Ça ne veut pas dire grand-chose, « avoir tout dit ». Les thèmes des chansons se réduisent à quelques-uns. On parle tous de la même chose : l’amour, la mort, l’amitié… mais jamais de la même façon. C’est une question d’angle.

C’est quoi la fonction d’un ou une chanteuse ?

Brel disait : « imaginez les peuples sans musique ». La chanson, c’est frontal. On s’adresse directement au cœur des gens. C’est un impact qui trouve sa place dans le sensible et l’émotionnel. Il me semble que dans ce monde, c’est important que les artistes existent. On a besoin d’émotion, de divertissement…

« Quand ça bloque dans la vie, quand ça coince quelque part, Florent Nouvel cherche une porte, une cabriole, un autre point de vue. Et ça repart. Florent a l’art du sourire et de te faire retrouver le tien. L’art de la tendresse aussi, de regarder le monde en face mais avec optimisme » indique le dossier de presse. Je connais l’oiseau depuis cinq ans et rien ne peut mieux le résumer. C’est le guitariste Martial Bort qui m’a mis en contact avec lui la première fois. Très vite, Florent Nouvel m’est apparu talentueux et très attachant. Une mandorisation s’est imposée (voir là, en compagnie de Stéphane Richez en juillet 2012). Son nouvel album, Le Nouvel album(ha ha ha !) est délicieux, tendre, malin, profond et drôle.

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Florent Nouvel est venu à l’agence le 18 janvier 2017.

Biographie officielle (un brin écourtée) :

Sourire aux lèvres et un brin dégingandé, le « plus grand chanteur » de la scène française (il mesure deux mètres !), nous offre ses chansons comme des miroirs.... Elles invitent à une véritable introspection haute en couleur, entre éclats de rire et émotion. Il nous emporte et construit avec nous un joli monde, tendrement allumé et terriblement humain. Dans le désordre, il s'inspire de l’univers de la BD, de la chanson, et du théâtre… Les Wriggles, Gaston Lagaffe, Manu Larcenet, Bourdieu, Renaud, Florence Aubenas, Pierre Perret, François Morel, Bécaud ont laissé leur empreinte faisant de Florent Nouvel un artiste aux mille et une facettes.

Plusieurs médias se sont fait l’écho de « Petit homme public », titre phare qui a connu un véritable succès sur Internet (35000 lectures sur You tube) et s’est vue diffusée sur France Inter tout comme « Le quai de Ouistreham ».

De nombreux articles de presse (Le Nouvel Obs, Le Parisien, etc), ainsi que des émissions de radio (France Bleu, Oui FM, RTL, etc.) ou de télévision (TF1, M6), ont relayé le succès de sa chanson « La Vélib’ération », hymne amusé au fameux vélo partagé. Ces chansons ont permis à Florent Nouvel de remporter la 4ème place (sur 400 groupes) du concours France Inter/Inrocks d'obtenir une mention spéciale du Jury lors du prix SACEM/Trenet en Août 2013.

Avec Le Nouvel Album, Florent assume pleinement son monde riche de contrastes. Cet album porte son nom "NOUVEL", qui invite chacun à inventer sans cesse et à se réinventer….

Florent est membre du collectif les Beaux Esprits, un collectif qui construit jour après une scène française, proche de son public, innovante et détachée de l'obsession de rentabilité...

Récompenses :

-Mention spéciale du Jury, Prix SACEM/Trenet, Aout 2013 -Paris Jeune Talent -Jeune Talent TV 2013 -Découverte francophone France Bleu 2013 -4ème place Concours France Inter/Inrocks (400 candidats) 2012

L’album Le Nouvel album(d’après le dossier de presse) :

Les 14 titres du Nouvel album sont donc un pied de nez à la grisaille. Un pied de nez à ton cerveau quand il pense trop en oubliant de sentir. Un pied de nez à tes maladresses quand tu fais du ridicule un atout.

Avec Florent, la moquerie est souvent tendre et sans blessure. Au contraire, c’est le sourire qui guérit. Florent se fait aussi tendre quand il parle de ceux qui comptent et de ceux qui sont passés dans nos vies. Il porte aussi un regard amusé sur notre société et ceux qui la font. Ce fou chantant te donne la pêche même quand tout n’est pas très gai. Même les séparations sont plus légères et laissent place aux heureuses surprises des belles rencontres. A chaque fois, une chanson est un rebond, vers autre chose, vers un nouveau sourire. Un pied de nez, encore.

Interview :

Dans tes chansons, même dans celles qui sont drôles, il y a toujours du fond.

C’est mon ambition : partir d’un élément de la vie de tous les jours et raconter quelque chose sur les êtres humains… de manière poétique. Il y a quelqu’un qui sait très bien faire ça, c’est François Morel. Je l’aime beaucoup.

Tu lui as envoyé ton disque ?

Oui, et il m’a répondu. Il a écrit sur Facebook publiquement quelque chose comme : « Je suis en train d’écouter le disque de Florent Nouvel. Je craque sur "Cécile de France"  et "Toutes les vies qui passent", c’est mon côté romantique ». Je trouve François Morel intelligent et d’une exquise finesse. Ils sont rares les artistes que je trouve humains, tendres, pas trop narcissiques, apaisés… Moi aussi, à titre personnel, je cherche à vivre les choses de manière apaisée. Je n’aime pas le pathos.

Comment choisis-tu les thèmes de tes chansons ?

Ça vient comme ça. J’aime évoquer des situations délicates. Au sein de ces situations, je m’amuse à changer le point de vue au fur et à mesure de la chanson, pour que le regard de celui qui vit la chose change lorsqu’il le raconte. Je ne sais plus qui a dit : "c’est le point de vue qui fait le monde". J’aime travailler sur ce changement de point de vue. Dans mes chansons, les plus simples comme les plus poétiques, aucun point de vue n’est fatal, ni obligatoire. On n’est condamné à rien. J’aime aussi redonner du sourire là où ça ne sourit pas.

Tu as fait pas mal d’EP avec deux, trois titres… les aventures de FloFlo.

Dans une série d’EP,  j’ai fait vivre un double de moi-même, un peu plus allumé, un peu à la Gaston Lagaffe. J’ai aussi un album public qui date de 2009. Je considère que Le Nouvel album est mon premier disque. Ceux que j’ai sorti avant étaient des étapes nécessaires pour parvenir à ce nouveau disque. C’était aussi un moyen de faire exister mes chansons.

Ça t’émeut d’avoir un premier vrai disque ?

Oui, en plus, il est bien distribué. Il est trouvable partout. Ca été difficile d’en arriver là et je remercie mon distributeur, L’autre Distribution. Un disque, c’est une naissance quelque part. Je suis vraiment heureux qu’il soit là.

Nouvel, c’est ton vrai nom ?

Oui. Pendant longtemps, je n’ai pas assumé ce nom de famille. D’ailleurs, ce n’est pas pour rien que j’indiquais sur les pochettes : les aventures de Floflo. Maintenant que j’assume mon nom, j’ai carrément intitulé l’album Le Nouvel album. Désormais, j’assume et porte ce nom qui invite à voir du nouveau, à ne pas s’enfermer.

Parlons de « Professionnel », dont tu as fait un clip. C’est du vécu cette histoire d’homme qui fait trop le toutou auprès de celle qu’il aime… à tel point qu’elle finit par se barrer ?

J’ai appris dans la vie à ne pas faire ça : trop donner par amour. Trop donner par amour, ce n’est plus s’aimer soi. Dans une chanson, j’avais écrit : « on noie le je dans le « T » de « je t’aime ». Le « tu » aspires tout. Si le « tu » aspires tout,  dans « je t’aime », qu’est-ce qu’il reste ?

Clip de "Professionnel" tiré de l'album Le Nouvel album.

Ça fait du bien d’écouter un disque comme le tien. Rien n’est prétentieux, tout est délicat et profond.

Ce que tu me dis me touche beaucoup… Me dire que les gens dans leur bagnole, avec leurs gamins, vont mettre le disque et vont sourire de ce qu’ils entendent, c’est un pur bonheur. Ça sert aussi à ça une chanson : divertir, changer les idées des gens qui écoutent.

Tu as raison de dire que ton disque peut aussi plaire aux enfants.

Les enfants adorent des chansons comme « La cantine », « Direction la piscine »… je crois que je fais des chansons pour toute la famille. A mes spectacles, il y a tous les âges, de 8 à 80 ans. Ça m’intéresse parce que cela m’incite à penser que je parviens à cultiver un certain regard. Le regard du décalage de point de vue, c’est un regard de môme.

Pendant l'interview...

Tu es un peu un grand môme, non ?

Sans doute que c’est parce que c’est comme ça que je me comporte en partie. Tu sais, je suis prof. Et si ça se passe particulièrement bien avec les lycéens que j’ai, c’est que j’ai une conscience aigüe du cadre. Je suis un adulte, on n’est pas à égalité et en même temps, j’adore le jeu. J’adore jouer avec eux. Nous jouons tout le temps. On joue au savoir. Parfois, certains me disent qu’avec moi, ils ont compris qu’une personne, ce n’est pas qu’une seule chose.

Il y a un parallèle entre chanter et enseigner ?

Ce sont des métiers où on marque les cœurs. Mes disciplines sont la sociologie et l’économie, des sciences humaines en fait. Je retrouve l’idée de « se regarder autrement ou regarder la vie autrement».

Tu es qui Florent ? Prof ? Chanteur ? Un homme qui aime la psychanalyse ?

Je suis tout ça à la fois. Il y a un point commun entre ces centres d’intérêts, c’est le rapport aux choses et le décalage de point de vue que j’essaie d’apporter.

"La vélib'ération", tiré de l'album Le Nouvel album.

Es-tu confiant en toi en tant qu’artiste ?

Je plaide pour l’idée qu’on est tous des artistes de quelque chose dans nos vies. On a tous quelque chose à inventer ou à réinventer. Etre un artiste, c’est écouter la vérité de son désir. Si un jour mon désir me pousse à aller faire autre chose, c’est comme ça que je serai un artiste. Ce n’est pas forcément en sortant un disque de plus.

A l’instar d’un Gauvain Sers, si les projecteurs étaient soudainement rivés sur toi, comment prendrais-tu la chose ?

Si ça arrivait, je ne refuserais pas. Mais, ça doit être compliqué. Je ne sais pas quoi te répondre, c’est difficile comme question. Est-ce que je le vivrais bien ? Je ne sais pas. Je crois qu’il faut le vivre comme une folie.

Florent Nouvel avec une partie des Beaux Esprits.

Revenons au collectif auquel tu appartiens, Les Beaux Esprits. Je trouve ça génial de s’allier pour faire ce métier le mieux possible.

Bruno Barrier est le tenancier, le garant de l’état d’esprit de ce collectif. Il est fou. Il faut avoir un peu de folie pour créer un tel espace, pour choisir de travailler uniquement avec des artistes qui ont un certain état d’esprit.

C’est quoi l’état d’esprit des Beaux Esprits ?

Il faut partir du principe que les egos ne seront pas plus forts que le collectif, même s’il y a dans le collectif des egos non négligeables. Les artistes ne montent pas sur scène par hasard. Il faut que chacun ait une conscience d’autrui, une conscience des autres artistes. Il faut se demander ce que l’on peut recevoir des autres et ce que l’on peut apporter aux autres. Il n’y a pas d’intronisation dans les Beaux Esprits. C’est le temps, c’est l’usage, c’est l’expérience qui décident.

Martial Bort a arrangé et réalisé l’album. Et il joue de la guitare.

Oui, il est un élément essentiel à cet album. Il ne joue plus avec moi, maintenant qu’il tourne avec Gauvain Sers.

Que vas-tu faire à présent?

Je ne sais pas bien. J’aime la possibilité de l’heureuse surprise.

Le 18 janvier 2017, après l'interview...

(Photo : Marie-Hélène Blanchet)

Musique raffinée, textes extrêmement bien écrits, subtils, profonds, acérés et souvent très émouvants. La sensible Jeanne Rochettea le sens de la formule… et certainement la formule magique pour composer des mélodies d’une beauté évidente. Je ne connaissais pas cette artiste, qui pourtant à un sacré passé musical (mais pas que), mais l’écoute de son deuxième album, Cachée, m’a convaincu, voire charmé. Je ne pouvais pas laisser passer cette femme d’aujourd’hui, romantique et passionnée, au talent indéniable

Jeanne Rochette et moi nous sommes installés dans le bar, QG de l’agence, le 26 janvier dernier, pour une intense mandorisation.

Argumentaire officiel de l’album Cachée:

Près de six ans se sont écoulés depuis  son premier album, Elle sort, paru en 2010. Jeanne Rochette, la plus québécoise des Parisiennes, nous revient enfin avec Cachée,  une collection de 11 nouveaux titres. Jeanne Rochette offre un opus intimiste à plusieurs tonalités, dont se dégage une tendre nostalgie, profonde et poétique, jamais grave. Au-delà de quelques titres ou moments plus légers, il y a dans ce travail une vraie profondeur et une grande émotion, un temps d’écoute, où l’espace et le silence ont leur place pour mieux entendre la résonance des mots et des mélodies. Jeanne Rochette, c’est une voix claire, brillante, mature, qui jamais n’en fait trop, une musique élégante, raffinée, tant dans la composition que dans l’interprétation. Auteure-compositrice-interprète et comédienne, Jeanne Rochetteétudie en parallèle le piano et le chant lyrique au conservatoire, le chant jazz, l’improvisation et le théâtre à l’université Paris 8 et dans diverses écoles. En 2004, la Parisienne part s’installer au Québec. Elle poursuit sa formation et se consacre à l’écriture de ses propres chansons. En 2010, après son premier album, elle donne avec son groupe de nombreux concerts, notamment en France, en Angleterre, en Chine, en Inde, dans les festivals de l’ouest canadien et aux FrancoFolies de Montréal. Souvent décrite par la critique comme étant une bête de scène, cette artiste entière offre une chanson française originale, inventive, très théâtrale, influencée par le jazz et l’improvisation. Jeanne Rochette invite l’auditeur à s’abriter dans sa maison… «Cachée».

Ce qu’ils en disent :

«Cette fille-là, elle est terrible!… Jeanne Rochette nous bluffe par son aisance sur scène et ses compositions. À suivre de près pour ceux qui aiment les belles découvertes.»  TÉLÉRAMA

«Her performance as the opening act before  Thomas Fersen was a révélation… An originally refreshing artist.»  BLOG CULTURE PLUS

«L’album de Jeanne Rochette est beau comme  un jour de pluie d’été : poétique, sobre et élégant.» JOURNAL MÉTRO

«Voix limpide et maîtrisée, textes inventifs et originaux, musique raffinée…Les chansons de Jeanne Rochette nous surprennent et nous réjouissent tant elles sont précises et bien construites.»  IICI MUSIQUE, RADIO-CANADA

«…Étonnant, rafraichissant, bouleversant… le chant si personnel et digne de respect d’une femme qui ne fait rien comme personne… Des mélodies pleines d’intelligence et de charme, quelque part entre Satie, Poulenc et Bach…»  LES BRUITS HEUREUX, RADIO VM, MONTRÉAL

«…Ses textes sont de vrais scénarios, poétiques, drôles, loufoques, surréalistes ou hyperréalistes…»  PIERRE LESCURE

«…Voix unique, ce piano aérien, ces arrangements délicats… Tout est précis, chaleureux, poétique… De la ouate pour l’oreille et le cœur.»  MICHEL RIVARD

(Photo : Alexia Devaux)

Interview :

Je crois savoir que tu as toujours chanté.

Oui, enfant, je chantais à deux voix avec mon père. Il n’était pas musicien professionnel, mais jouait de tout et avait une vraie culture du blues, du jazz et de la chanson. Il connaissait tout Brassens. J’ai baigné toute mon enfance dans la musique, j’ai même fait partie de chorales.

Mais quelles étaient tes musiques de prédilection ?

D’abord, le baroque, j’ai aussi beaucoup écouté Bach et Chopin, ensuite le jazz, que j’ai découvert vers 18 ans. J’ai fait un stage, il fallait préparer deux morceaux jazz, alors je suis allée dans une médiathèque et j’ai écouté tout ce que je pouvais. Je suis tombée sous le charme de ce genre musical.

Ensuite tu as pris des cours de jazz et de chant lyrique au Conservatoire du XXe.

Je faisais beaucoup d’opérettes. J’ai un rapport très fort avec la musique classique.

Tu as eu un groupe de jazz.

On jouait des standards, c’était très formateur.

Tu es passée aussi à Orléans.

A 20 ans, un vieux géologue à la retraite que j’avais rencontré en stage de jazz me payait des billets pour aller dans cette ville jouer dans un big band, des morceaux des années 20 et 30.

En parallèle, tu faisais des études au Conservatoire du Xe en Théâtre.

Oui, et en même temps, je passais aussi une licence en art du spectacle à l’université. Je touchais à tout. J’aime et je suis curieuse de plein de choses. J’ai fait à la fois du cirque, de l’acrobatie, de la danse indienne…

J’ai comme l’impression que tu t’éparpillais un peu, non ?

Non, tout ça est logique. Je ne peux pas dissocier la voix du corps. Les créateurs comme Eugénio Barba m’ont toujours intéressé. Ils s’intéressaient à l’exploration de la voix dans son ensemble.

Tu aimais l’impro ?

Ca me passionne. Des mecs comme Bobby McFerrin m’impressionnent. J’adore effectivement l’improvisation et le côté instinctif du chant. J’ai toujours cherché à faire des stages qui me mettaient en danger. Le risque ne me fait pas peur et je prends beaucoup de plaisir à essayer les choses. Tout ce que j’ai fait, tu peux considérer que c’est de l’éparpillement, moi je pense que ça m’a nourrit. Si je suis la personne que je suis aujourd’hui, c’est grâce à toutes ces expériences. Toutes ont été enrichissantes.

Bon, je continue la liste alors. Tu as fait aussi un spectacle sur les années 20 et 30.

Avec une compagnie, on a tourné pendant des semaines dans les bars. Je n’interprétais que des chansons des années folles sur Paris.

Tu as monté une pièce de théâtre également.

A 24 ans, avec une copine, on a monté des monologues de Franca Rame et Dario Fo. La première était actrice et auteur dramatique, mais aussi épouse, collaboratrice et éditrice du second. C’était très trash, des monologues de femmes super intenses. On a joué ça avec un trompettiste. C’est la première fois que je mettais en musique des textes. Au bout d’un moment, comme on était un peu en galère, je suis partie ailleurs vivre toute seule au Québec.

(Photo : David Desreumaux pour le mook Hexagone)

Faisons un peu de philo de comptoir. Aller partout, c’est savoir où on va ?

Je pense que oui. Par exemple, là j’ai fait un choix très clair de revenir à Paris. C’est mon parcours et tout ce que j’ai appris qui m’a mené de nouveau ici. Je suis aujourd’hui plus sereine. Là, je n’ai plus envie de faire de l’acrobatie et de la danse indienne.

Tu as trouvé ta voie et ta voie ?

Il y a eu ces moments de recherches, de stimulations, de curiosité, de soif de connaître. J’ai cherché l’émotion et la force dans les choses pendant des années. Je continue d’ailleurs. Mais, je ne peux pas affirmer que j’ai trouvé ma voie ultime. J’ai commencé à écrire mes chansons au Québec. Et j’ai un peu tourné avec ces chansons. C’est là que j’ai réalisé que c’était ça mon métier. Ecrire des chansons et les interpréter.

Au Québec, tu es partie combien d’années ?

Je devais rester un an, je suis restée 12 ans. Je suis arrivée en me demandant ce que je faisais là et, en même temps, j’étais excitée par cette nouveauté. C’était un saut dans le vide, comme si je sautais en parachute. J’avais 28 ans. J’ai eu des bouffées de liberté là-bas. Je me suis dit : « je suis libre, je sais vivre, je sais refaire ma vie n’importe où dans le monde ! »

Jeanne Rochette aux Francofolies de Montréal en 2016.

En t’écoutant, j’ai vraiment l’impression que tu as toujours eu des choses à te prouver.

Peut-être… C’est important d’être capable de vivre sa vie. Je ne veux pas me donner de limite. Je veux continuer à rêver.

Très vite, là-bas, tu as fait de la musique.

J’ai rencontré plein de monde via le jazz. Dans les clubs, personne ne se connait, mais on joue ensemble facilement. J’ai passé une journée à jouer avec des musiciens et j’ai fait la connaissance de plein de gens. Après, ça va vite. J’ai commencé à faire des petits concerts. Au bout de deux ans, j’ai rencontré François Bourassa, un pianiste de jazz très connu là-bas, qui est devenu mon amoureux. Il a 18 ans de plus que moi, sa carrière était déjà bien entamée. Il a une grande sensibilité lorsque qu’il joue. Entre nous, ça a été très fort musicalement. Il m’a fait découvrir tout le jazz instrumental. Une vraie rencontre. Pendant dix, j’étais dans une bulle remplie de musique. On a fait des tournées en Chine, en Inde… je sais que je peux assurer dans des salles de 3000 personnes.

Ton premier album, Elle sort, est sorti en 2010.

Je voulais le signer au Québec, avoir une équipe avec moi, mais les professionnels devaient penser que je n’en avais pas besoin parce que je vivais et chantais avec un musicien célèbre. Comme je ne voulais plus être qu’une chanteuse de jazz à Montréal, je suis donc revenue à Paris. Quitter Montréal, c’était sortir d’une torpeur. Tout était si facile pour moi là-bas.

Pendant l'interview.

Un jour Pierre Lescure, qui était à l’époque directeur du Théâtre Marigny, vient te voir dans un bar à Montreuil.

Il a adoré ma prestation et a voulu me booker immédiatement. J’étais enceinte de mon enfant, Gaspard, j’ai dû attendre un an… mais il n’était plus directeur du théâtre.

A un moment, tu as fait tellement d’aller-retours entre la France et le Québec qu’on ne savait plus trop bien où tu étais…

Oui, et pendant cette période-là, je n’étais plus française, ni québécoise. J’avais l’impression que toute l’énergie que je mettais n’était jamais au bon endroit. J’ai réalisé que si Gaspard voyait sa maman malheureuse, il allait être malheureux.

Et ton père est tombé malade.

Cancer du cerveau, du jour au lendemain. On lui dit qu’il est condamné. On ne sait pas combien de temps ça va durer, mais du coup je suis restée plusieurs mois à Paris. En venant ici, j’ai réalisé que j’avais envie d’y rester. Depuis un an et demi, je suis là et je me suis rarement sentie autant à ma place. Il se passe des choses magnifiques pour moi. Je surfe sur cette vague-là.

Jeanne Rochette chante "La mouche", lors de la Finale du Prix Georges Moustaki 2017. Au Centre Malesherbes - Sorbonne, à Paris, le 16 février 2017.

Parlons de ce nouveau disque, Cachée.

Il a été enregistré à Saint-Elie-de-Caxton, au studio Pantouf de Jeannot Bournival qui coréalise l'album avec Mathieu Désy. François Bourassa (piano), Philippe Melanson (batterie) et Mathieu Desy (contrebasse) composent également mon équipe. J’ai commencé l’écriture avant la maladie de mon père. J’ai mis beaucoup de temps à le faire. Ce disque est empreint de la mort de mon père, de cette cassure, de l’enfance aussi… et du coup, de la fin de l’enfance. Je suis content que cet album existe, je peux désormais passer à autre chose.

Les textes ne sont jamais au premier degré. Dans « La mouche » par exemple, il me semble que tu parles d’une femme.

Evidemment, je n’écris pas au premier degré. Je ne vais pas parler d’une femme enfermée, je préfère parler d’une mouche qui s’éclate sur une vitre.

Tes textes paraissent légers, mais si on gratte un peu, des chansons comme « L’escalier » ou « Paroles d’amie »…

J’adore ça. Sur des musiques rigolotes, raconter des horreurs. C’est instinctif chez moi. Mes chansons me ressemblent. J’ai un rapport à la vie très festif, mais en même temps j’ai un fond profond, sensible et grave.

Jeanne Rochette chante "Quand je m'aime pas". Filmée (avec Thibaud Defeverà la guitare) le 8/12/2016 à La Blackroomà Clichy et diffusé lors du concert de présentation du mook Hexagone, à la Médiathèque.

Dans tes chansons, tu te caches ou tu te montres ? Un peu des deux… Non, en fait, je me montre. Je ne me suis jamais autant montrée que depuis que j’ai sorti cet album, Cachée. Je ne me cache plus.

Cachée est beaucoup moins jazz que le premier, Elle sort.

J’avais envie d’un album, plus « chanson », plus produit aussi, moins « live ». La musique est très feutrée, cela donne une énergie un peu sourde.

Dans ce métier, on apprend tous les jours ?

Oui. D’ailleurs je prends des cours de chant actuellement. Je veux toujours faire au mieux, je ne veux pas me laisser aller. Je n’ai pas de doute sur ma place quand je suis sur scène, mais pour se sentir légitime, il faut toujours travailler. Je n’ai pas de temps à perdre. La mort de mon père m’a donné une urgence. Depuis sa disparition, mon rapport à la vie a changé.

Après l'interview, le 26 janvier 2017.

Et puis, n'oubliez pas, c'est ce soir...

Pour Le Magazine des Espaces Culturels Leclerc (daté du mois de février 2017), je suis allé à la rencontre de deux chanteuses lyriques, Flore Philis et Marie Menand. Ces deux audacieuses artistes ont créé le projet D.I.V.A. L’idée est de faire découvrir l’Opéra à un large public en désacralisant ce genre musical… et en ajoutant une bonne dose de folie.

Le clip de "Carmen".

Après l'interview, chez Universal, le 18 janvier 2017. A gauche, Flore Philis, à droite, Marie Menand.

Dix-huit mois après l’intense Against The Wind qui marquait déjà une ouverture vers un versant plus électrique du duo, le chanteur-guitariste Mr Mat et l’harmoniciste australien Barefoot Iano, le duo impeccable de Mountain Men, reviennent (ma première mandorisation du duo est à lire ici). Mais magie des rencontres et des envies, ils se sont  associés à un autre duo, le bassiste, Olivier Mathios de TheHyènes et le batteur, Denis Barthe (ex-Noir Désir), lui aussi membre de The Hyènes. Un quartet qui s’est entouré d’autres pointures bordelaises comme Estelle Humeau (Eiffel), Hervé Toukour (The Very Big Small Orchestra) et Jean-Paul Roy (Noir Désir). Du beau monde pour un album marie émotion et riff parfois brutal. L’album Black Market Flowerscompte treize morceaux dont deux en français. Une puissance décuplée, un blues profond. Impressionnant !

Le teaser de Black Market Flowers.

Le 18 janvier dernier, à la veille de leur concert mémorable au Café de la Danse, j’ai reçu à l’agence Mr Mat (Matthieu Guillou), Barefoot Iano (Ian Giddey), Olivier Mathios et Denis Barthe. Nous avons parlé de leur rencontre, de leur disque commun, des concerts et de l’industrie musicale actuelle. Aucune langue de bois à l’horizon…

Argumentaire de presse de l’album Black Market Flowers :

Depuis leur 1er album Spring Time Coming, sorti en 2009, Mountain Men poursuit sa route, pavée de rock, de folk et de blues. Aucune limite artistique ne s’impose à eux, seules l’émotion et l’énergie priment. Leurs influences qui vont du rock à la chanson, de Metallicaà Brassens en passant par Bob Dylan ou Tom Waits, font de Mountain Men un groupe à part et singulier alliant émotion et sens aigu du spectacle. Black Market Flowers ouvre une nouvelle page pour le groupe, paradoxalement encore plus personnelle. Il y est question de tempêtes intérieures, d'amis disparus, de colère et d'amour, de rock et d’énergie, toutes ces émotions qui font de Black Market Flowers un pur condensé de vie et à l'image de leur musique : Brute, simple, belle et universelle.

(Photo: Vincent Assié)

Interview :

Mr Mat et Barefoot Iano, comment s’est passée cette fusion  avec Denis et Olivier ?

Mr Mat : Nous cherchions un réalisateur qui pouvait réaliser notre disque sous une autre forme. On a donc fait une liste d’artistes avec lesquels nous aurions aimé bosser… dont Denis Barthe.

Denis Barthe : Nous avons été contactés par Mike, le producteur de Mountain Men. C’est un pote à moi, mais je n’avais jamais entendu parler de ce groupe. Je lui ai dit que je n’avais pas le temps, mais qu’il m’envoie quand même du son. Les titres reçus m’ont parlé immédiatement. Piqué par la curiosité, je suis allé voir sur Internet  et là, j’ai découvert deux mecs qui donnaient beaucoup sur scène, et donc qui recevaient beaucoup du public. Encore une fois, j’ai expliqué que je n’avais pas le  temps, mais que deux mecs punks qui faisaient du blues, ça m’intéressait beaucoup. Cela faisait longtemps que je n’avais pas vu ça. J’ai donc demandé à les rencontrer. MrMat est venu à la maison. Au bout d’un quart d’heure de conversation, j’avais l’impression de le connaître depuis des années. Nous étions sur la même longueur d’onde, aussi bien dans la vie que musicalement.

Et vous, Mr Mat et Barefoot Iano, pourquoi le choix de Denis Barthe ?

Mr Mat : Parce que l’on connaissait son travail pour d’autres groupes, comme les Têtes Raides et Les Suprêmes Dindes, par exemple… et aussi parce que, quand même, Noir Désir…

Denis Barthe : Je travaille aussi pour des petits groupes. Je fonctionne au coup de cœur. Que les gens soient connus ou pas, qu’il y ait une boite de pro ou pas, je m’en fous. Il faut que ça me plaise. C’est mon seul critère.

Et toi, Olivier Mathios, tu es arrivé comment ?

Olivier Mathios : Comme une fleur (rires). Je joue avec Denis dans The Hyènes depuis 10 ans. Il m’a fait part de sa nouvelle passion pour Mountain Men. J’écoute et comme il m’avait dit, je découvre que, vraiment, « ça déboite ». Denis me demande si je veux bien faire deux, trois basses. J’accepte avec plaisir. Dès que nous nous sommes serrés la main avec MrMat et Barefoot Iano, on a compris qu’il se passait un truc. Quand nous avons commencé à jouer ensemble, il y a eu une osmose totale, une parfaite alchimie. Au fur et à mesure que l’album avançait, je prenais conscience que ce que nous faisions était énorme.

Mr Mat : J’ai pris un plaisir incroyable à faire cet album. Rester tous les quatre en studio, à presque faire exprès de prendre notre temps parce qu’on était bien, c’est un souvenir inoubliable pour moi. Ca faisait longtemps que je n’avais pas pris autant de plaisir à faire de la musique. Avant cet album, les sessions de studio étaient des moments douloureux pour moi. Là, on a travaillé énormément, on a fait de grosses journées, mais dans une superbe ambiance et dans un plaisir fou.

Clip de "Dog Eye" tiré de l'album Black Market Flowers.

Vous jouiez en live dans le studio ?

Denis Barthe : Oui. La prod, je l’assimile à de la cuisine. Je n’ai pas de recette. Le groupe m’amène des aliments. C’est posé sur la table et il y a des choses à faire avec. On n’est jamais sûr de rien. On ne sait pas si ça va être bon. Quand on trouve la recette miracle, quelle satisfaction ! Et pour cet album, on a souvent trouvé la recette miracle.

Olivier Mathios : On a joué de manière assez instinctive. C’est ça qui donne la fraîcheur de l’enregistrement.

Mr Mat : Avec Barefoot Iano, on a toujours joué de manière instinctive. L’album est très basé sur l’instinct et l’instant T.

Barefoot Iano : La seule attente que nous avions, c’est que Denis et Olivier apportent quelque chose à table. Puisqu’on parle cuisine, nous ne voulions pas « manger » la même chose que d’habitude. On ne savait pas où on allait, mais on était prêt à aller n’importe où pourvu que ça sonne et que ça nous amène ailleurs.

Barefoot Iano, comment tu as vécu l’arrivé de Denis et Olivier dans l’aventure Mountain Men ?

Barefoot Iano : J’étais très confiant. Comme d’habitude, je n’avais pas préparé mes parties d’harmonica. Mes préparations sont techniques. J’essaie d’être capable de faire ce que l’on me demande,  je bosse à fond et je tente d’intégrer au mieux mon instrument dans les compositions déjà enregistrées. Denis a manœuvré le bateau avec une délicatesse et une gentillesse qui m’ont beaucoup plu.

Clip de "Still in the race", tiré de l'album Black Market Flowers.

Mr Mat et Barefoot Iano, vous attendiez quoi de Denis et d’Olivier ?

Mr Mat : Travailler avec un réalisateur, c’est souhaiter ouvrir une porte et aller se balader dans des chemins auxquels nous n’aurions pas pensé. C’était aussi une manière de mettre nos ego au placard. Je suis toujours très intransigeant quand nous enregistrons un disque, ça peut être pénible pour l’autre. Là, je me suis un peu laisser conduire et ça fait un bien fou.

Denis, il  faut ressentir l’âme du groupe pour lequel tu travailles ?

Denis Barthe : Oui. Inévitablement, il faut se fondre, trouver sa place sans pour autant bousculer l’équilibre. Il faut rentrer dans la cuisine du duo, sans casser la vaisselle.

Ça s’est tellement bien passé entre vous, que l’aventure continue sur scène.

Denis Barthe : Ce n’était pas prévu du tout. A la fin des enregistrements en studio, nous nous sommes quittés, heureux du devoir accompli, mais point barre. Un jour, Mat m’appelle pour me demander si nous acceptions de jouer pour le Café de la Danse. Pour une date, c’était possible. Très rapidement, on s’est dit que nos calendriers étaient compatibles pour en faire un peu plus. Et la machine s’est mise en route, comme une évidence.

Olivier Mathios : Et pour être clair, et je vais placer l’ego là où il ne faut pas, il était hors questions qu’il y ait un autre batteur et autre bassiste que nous deux… d’autres auraient forcément souillés cette œuvre (rires).

Mr Mat : Pour nous, c’était trop évident qu’il fallait que ce soit eux qui nous accompagnent. On a fait 600 concerts à deux, notre public était donc un peu inquiet de ce qu’allait donner Mountain Men à quatre… et, visiblement, ils ont adoré. Parce qu’avec cette formule, nos chansons sont magnifiées et ont pris de l’ampleur.

Olivier Mathios : Le tout premier concert, c’était l’épreuve du feu. Nous étions dans le bar où Mr Mat et Barefoot Iano se sont rencontrés. Ça s’est super bien passé et nous avons eu la sensation d’avoir été accepté par la « famille ».

Le 19 janvier 2017, le lendemain de l'interview, Mountain Men au Café de la Danse. Un aperçu de l'énergie et l'ambiance de folie qu'ils transmettent. A voir absolument!

C’est jubilatoire pour vous deux de redécouvrir vos chansons habillées différemment ?

Mr Mat : Mais carrément. Nous ne repartons pas à zéro, mais nous repartons avec quelque chose de tout neuf. En 2015, je me suis rendu compte que j’étais nostalgique du tout début. Quand il y avait tout à faire, tout à prouver… on collait nos affiches nous-mêmes la nuit. En ce moment, j’ai l’impression de revivre tout ça.

Barrefoot Iano : Sauf qu’on ne colle plus nous-même les affiches. Moi, voilà l’image que j’ai de ce qu’il se passe. Au début, avec Mat, nous sommes rentrés dans un tunnel, bien éclairé, et là, nous sommes en train de sortir de l’autre côté et on voit un grand panneau qui indique : vous êtes en train de quitter la puberté. Il y a dans nos chansons, une vraie puissance qu’il n’y avait pas avant.

(Photo : Vincent Assié).

Denis, rétrospectivement, tu ne te demandes pas comment l’existence de ce duo t’avait échappé ?

Denis Barthe : C’est surtout parce qu’ils n’ont presque jamais joué dans le grand sud-ouest. Il n’en reste pas moins que, depuis longtemps, je n’avais pas entendu un groupe qui joue de manière si artisanale. Avec eux, on a envie de mettre les mains dans la terre. Ce que fait Mountain Men est pensé, senti et paradoxalement, pas prémédité ni élaboré. Ça m’a beaucoup plu.

Olivier Mathios : Quand j’ai découvert ce duo, je me suis demandé d’où il sortait. J’ai trouvé leur musique mortelle. Je n’avais pas regardé leur vidéo sur internet, je les ai pris en studio direct. J’ai trouvé ça monstrueux. Je me suis demandé ce qu’étaient ces mecs qui nous fracassaient la gueule… à domicile, en plus.

(Rires général)

Mr Mat et Barefoot Iano, vous commenciez à vous lasser de cette vie musicale à deux ?

Mr Mat : L’envie première de faire un album comme Black Market Flowers, c’était justement pour éviter que cela arrive. Je déteste la routine dans tout ce que je fais. Quand une routine ou un certain confort s’installe, ça se délite. En 2015, on a fait à peu près 110 dates. Ça a été aussi une année très compliquée humainement au sein du groupe. Il y a eu des histoires intérieures et extérieures dont nous nous serions bien passés. Ça a été très difficile émotionnellement par rapport à nos vies respectives. Cette année compliquée est d’ailleurs ce que raconte notre disque. Pour exorciser beaucoup de choses, je voulais du neuf bien pimenté.

Barefoot Iano : Je ne peux rien ajouter de plus.

"Passe dans cette vallée", tiré de l'album Black Market Flowers, live filmé par France 3 Auvergne-Rhones-Alpes pour l'émission Le Backstage.

Depuis que je vous suis, je me demande pourquoi Mountain Men n’est pas plus populaire.

Mr Mat : J’essaie de ne plus me poser cette question, car elle m’a travaillé souvent. On a toujours eu que des retours dithyrambiques sur tous nos albums. Les gens, en sortant de nos concerts ne cessent de nous demander pourquoi on ne nous entend pas plus. J’avoue que cette situation m’a rendu aigri très longtemps. Je n’ai plus envie de me prendre la tête avec ça. Je me contente de suivre notre chemin en jouant la musique que l’on a envie de faire. On se considère comme des artisans et on essaie de faire vivre le spectacle vivant. On fait le plus possible avec nos petits moyens. Au moment, où on nous bassine depuis des mois avec les élections, il faut faire gaffe à la culture. Il n’y a aucun candidat qui n’a prononcé le mot culture. C’est symptomatique de notre époque.

Denis Barthe : Pourtant la culture rapporte en France plus que l’industrie automobile. On vit une époque où le business et les médias, sont plus fermés qu’avant. Il y a des portes qui sont dures à pousser. Ce qu’on entend venant d’une radio ou d’un programmateur, c’est : « Ça rentre pas dans ma grille de programme ». C’est stupide. Une grille des programmes est là pour être ouverte. Qu’est-ce qu’on risque à programmer un disque qui a plu ? Au mieux, qu’il plaise aussi aux auditeurs ou aux spectateurs, au pire, rien.

Mr Mat : Si on ne prend pas garde, dans dix ans, il ne restera plus que cinq gros festivals en France. Il y aura cinq artistes du moment, ceux qui vendent le plus de disques. Tout le reste sera mort.

Denis Barthe : On est dans un fonctionnement dinosauresque. Les maisons de disque, les organisateurs de festival… tout est dinosauresque. Les cachetons pour certains groupes sont indécents, on dirait qu’ils font du football. On aurait besoin d’un mouvement musical qui vienne balayer tout ça, qui ouvrent les fenêtres et qui vienne distiller du sang neuf.

Mr Mat : Denis, je ne sais pas ce que tu en penses, mais un groupe comme Noir Désir qui arriverait maintenant, il ne signerait pas.

Denis Barthe : Surtout avec la maquette qu’on a présenté à l’époque. Il n’y aurait pas non plus de Têtes Raides, d’Alain Bashung, de Stéphan Eicher, de Mano Negra, de Gainsbourg, de Ferré, de Brassens, de La Tordue. Tous ces artistes, y compris Noir Désir, étaient dans des maisons qui ont perdu des ronds avec leurs premiers disques.

Olivier Mathios : Il y avait la notion de carrière, mais elle n’existe plus aujourd’hui. Maintenant, tout le monde est jetable.

Mr Mat : En cinq ans la musique est devenue un produit de consommation comme un autre. Le téléchargement, le streaming n’ont pas aidé… C’est un vaste sujet.

(Photo : Vincent Assié).

Denis Barthe : Les maisons de disques ont menti aux gens. On te permet de télécharger du MP3, qui est quand même une qualité de merde, du coup, la maison de disques n’a pas à fabriquer de supports physiques, c’est-à-dire de pochettes, de boitiers, il n’y a pas à payer de livreurs pour faire parvenir les disques, pas de personnel pour mettre en place dans les magasins. C’est tout bénéf’ pour les maisons de disque au détriment de la qualité. Aujourd’hui, les gens qui ont les moyens d’écouter de la musique dans de bonnes conditions, ce sont des gens qui ont des moyens financiers conséquents.

Mr Mat : Nous, malgré le fait que nous ayons vendu 50 000 albums et fait 600 concerts, pour gagner notre vie, nous sommes condamnés à tourner en permanence. Sur Deezer, je schématise, mais on est pas loin de la vérité, on est rémunéré 0, 00008 centimes par clic. Mountain Men est rémunéré par une unité de mesure qui n’existe pas. Je ne sais pas si tu te rends compte, mais, en gros, il faut que le morceau soit lu 10 000 fois pour que nous touchions 8 centimes. Et dans tout ça, nous ne sommes pas sûr d’avoir notre statut d’intermittent à la fin de l’année, ni que l’on puisse continuer à faire perdurer le groupe.

Je ne comprends pas pourquoi les festivals de l’été ne font pas appel à vous.

Mr Mat : C’est très facilement explicable. Je n’ai rien contre les Insus par exemple, ni contre Renaud ou Vianney… ça parle aux gens. Le problème n’est pas là. Mais sur tous les gros festivals, on ne verra quasiment qu’eux. Ils sont payés des cachets astronomiques. Conséquence : les organisateurs n’ont plus rien à donner au groupe comme Mountain Men.

Denis Barthe : Je ne sais pas quel autre métier pourrait supporter cela. Admettons que demain, avec des imprimantes 3D, on puisse imprimer chez soi la baguette de pain. Vous vous imaginez que les boulangers vont accepter de vendre leur baguette 0, 00008 centimes. Quand allons-nous cesser de tout tirer vers le bas ? Il faut que les choses soient acceptables pour tout le monde.

Pendant l'interview...

Vous pensez qu’un jour, les choses se rétabliront dans le bon sens ?

Mr Mat : Socialement, si ça ne change pas, ça va devenir violent.

Denis Barthe : Il ne faut pas combattre. Dans un combat, il n’y a jamais vraiment de gagnant. On risque de tout perdre face aux puissants de ce monde, les financiers en particulier Il vaut mieux créer quelque chose à côté, que ce soit en social, en politique, en musique, en ce que l’on veut… et faire en sorte que la chose qui te fait suer devienne une coquille vide. Il faut proposer un nouveau modèle qui concurrence en mieux la proposition des puissants.

Avant, les stars de la musique c’était, par exemple Noir Désir, aujourd’hui c’est Jul ou Black M… que s’est-il passé pour qu’on en arrive là ?

Mr Mat : Sans parler de ceux que tu cites, je ne sais même pas ce qu’ils font, je me rends compte en tout cas que depuis quelques années on maintient les gens dans la médiocrité, qu’elle soit musicale, intellectuelle ou politicienne. C’est devenu une unité de mesure.

Denis Barthe :Ça a commencé quand les directeurs artistiques des maisons de disques sont devenus des « chefs de produit ». Tout est dit dans cette appellation. On a introduit la notion de rentabilité à tout prix. Les financiers se sont emparés de la création. Plus généralement, aujourd’hui, on ne peut plus rien dire, on ne peut plus rien faire. Tous les jours on t’éteint une petite liberté.

Le 18 janvier 2017, à l'agence, à l'agence. De gauche à droite, Denis Barthe, Olivier Mathios, Barefoot Iano et Mr Mat.  

Pour Le Magazine des Espaces Culturels Leclerc (daté du mois de mars 2017), j’ai interviewé Magyd Cherfi. Ce n’était pas la première fois (voir là en 2007, ici en 2012 et encore là récemment en 2015et pas tout seul).

Le 6 février dernier, je suis allé à sa rencontre dans une péniche restaurant, La Nouvelle Seine, qui fait aussi office de salle de spectacle. Voici la substantifique moelle de notre interview…

Le premier clip tiré de l'album Catégorie Reine, "Ayo".

Après l'interview, le 6 février 2017, sur la péniche La Nouvelle Seine.

(Photo : Rémon Deupardon)

Gaëlle Pingault est une nouvelliste que j’apprécie depuis longtemps, littérairement et humainement. Elle sort un nouveau recueil de nouvelles, Avant de quitter la rame aux éditions Quadrature. Je lui ai donné rendez-vous dans un bar parisien lors de son dernier passage dans la capitale (elle habite à Tinténiac, un village au nord de Rennes), le 21 janvier dernier, pour une deuxième mandorisation (la première est là !)

4^e de couverture :

Il y a Alice, qui n’aime ni Paris, ni le métro, ni les petits encarts de poésie qui y sont affichés. Qui n’a guère d’autre choix que de faire avec, cependant. Alors elle râle. Pas toujours.

Il y a Nadya, qui souvent marche sur un fil, et qui boit ces quelques vers arrachés au métro comme si sa vie en dépendait. Elle en dépend peut-être. Allez savoir.

Et entre les chassés-croisés de Nadya et d’Alice, se glissent d’autres histoires avec un soupçon de poésie, et sans métro.

L’auteure :

Auteure, animatrice d’ateliers d’écriture, orthophoniste, Bretonne. Et réciproquement, ou l’inverse. Ça dépend du sens du vent. Celui que je préfère, moi, c’est le noroit qui claque.

Pas très sérieuse, enfin pas trop, parce que la vie est trop courte pour ça. Déjà 38 ans de passés, c’était bien, merci. Barman, vous m’en remettrez le double, s’il vous plaît ?

Un homme, une petite fille de moins en moins petite, la mer à moins de 50 kilomètres : triangle parfait, équilibre atteint.

Interview :

Avant de quitter la rameest ton quatrième livre. Tu commences à constituer une œuvre ?

Holà ! Comme tu y vas ! J’écris ce que j’ai envie d’écrire et je ne songe pas à ce genre de chose. Quand j’ai réalisé que celui-ci était  le quatrième, je me suis juste dit : « Oh ! Quand même ! » A chaque fois qu’il y en a un qui sort, j’ai l’impression que c’est un hasard ou un coup de chance. Bref, à chaque fois, c’est Noël !

Il me semble que ce nouveau recueil de nouvelles a comme fil rouge le mal être dans notre société ?

C’est rigolo parce que je l’ai imaginé au départ comme des nouvelles avec des fins positives. Il arrive des événements pas simples à mes personnages, mais ça se termine bien. Ce sont des héros de la vie quotidienne et j’ai l’impression de côtoyer beaucoup de personnes comme ça.

Ce recueil a une histoire un peu particulière.

Ca rejoint ma réponse précédente. Il y a les habitudes de la nouvelle à chute couperet, un peu noire. Comme je viens de le dire, j’avais envie depuis longtemps d’écrire un recueil à fins positives. Jusqu’à présent, je n’avais pas assez d’idées pour mener à bien ce souhait… pour tout te dire, j’ai toujours peur de faire « cucul la praline ». Quand, chez Quadrature, ils ont sorti la collection « Miniature », j’ai estimé que le calibrage qu’ils demandaient allait me permettre d’essayer de concrétiser mon envie.

Es-tu un des personnages ? Je te verrais bien en Alice, la jeune femme qui n’aime pas Paris…

Il y a un peu d’elle par le côté « la ville me rend terne ». Là, par exemple, je reviens à Paris pour le week-end, je me suis baladé avec ma sœur et j’ai vite ressenti le besoin de repartir chez moi, en rase cambrousse. Pour répondre à ta question, je me retrouve un peu dans tous mes personnages. C’est une question que je ne me pose pas trop, mais je crois que tu mets toujours de toi dans tes histoires. Inconsciemment ou parfois consciemment, sans savoir précisément à quel degré.

J’aime beaucoup ton écriture, fine et délicate. J’ai dégusté ce recueil.

Quand je l’ai écrit, j’avais envie d’un espèce de petit bonbon, un truc qui ferait du bien et qui serait agréable. Je ne suis pas capable d’écrire le pays des bisounours, je maltraite un peu mes personnages de temps en temps, mais c’est pour qu’ils aillent mieux après.

Il y a deux personnages majeurs dans ton recueil, Alice et Nadia. Elles sont très attachantes.

Moi, je m’attache toujours à mes personnages en tout cas, même quand ils sont cons, méchants ou bêtes… note que je n’en ai pas dans ce livre-là. La façon dont j’écris à leur sujet doit faire en sorte qu’ils deviennent attachants aussi pour le lecteur.

La nouvelle « La nuit, je ne mens plus » m’a beaucoup touché. Ça m’a fait du bien de lire l’histoire d’une famille recomposée où tout se passe intelligemment. Mais la nouvelle dont on te parle plus, c’est « Tu dors petit homme ».

Ça parle de l’adoption. Je trouve qu’il y a une ambivalence dans l’adoption. Ce sont des enfants qui ont été abandonnés et en même temps, ils ont été très désirés par ceux qui les adoptent. Une mesure d’adoption est très longue et très compliquée. Un enfant adopté est toujours super attendu. Je trouve cette complexité-là très belle.

« Un ciel d’orage », j’adore aussi. Par l’amour, on arrive à ne plus avoir peur d’un truc qui fait peur…

La scène initiale est vraie. J’ai ce souvenir de maman venant me voir un soir dans ma chambre quand un orage a éclaté. Dans ses bras, elle me disait : « Regarde, c’est beau ! Ça se reflète sur la pelouse avec la pluie… » A partir de ce soir-là, je n’ai plus jamais eu peur de l’orage. J’ai brodé autour de ce souvenir.

Pour écrire tes histoires, tu te sers de la réalité vécu ou vu ?

Je suis une éponge. Je passe ma vie à regarder ce qu’il se passe autour de moi. J’emmagasine 2500 trucs par jour qui pourront ressortir un jour, ou pas, dans une nouvelle ou un roman.

Ça te fait du bien d’écrire ?

Oui. Par contre, je ne considère pas que l’écriture soit ma thérapie. C’est du boulot. Un boulot très agréable. Tu as raison, ça me fait du bien d’écrire, c’est tout. J’ai infiniment besoin de chose jolie autour de moi sinon je ne suis pas capable de vivre, l’écriture est peut-être ma part de joli, ma modeste contribution aux jolies choses.

Tu écris beaucoup ?

C’est éminemment variable en fonction du moment. Je peux écrire tous les jours ou je peux ne rien écrire pendant quatre mois.

Tu écris surtout des nouvelles. Tu ne t’estimes pas performante sur la longueur ?

Je suis obligée de te répondre que probablement si, puisque j’ai un roman qui va sortir au mois de septembre aux éditions du Jasmin, il s’intitulera, Il n’y a pas Internet au paradis. Mon pitch peut paraître sinistre, mais il semblerait que cela ne le soit pas. C’est l’histoire de la résilience d’une femme dont le mec s’est suicidé suite à un harcèlement au travail.

C’est sinistre.

Ha ha ha ! Il y a de l’humour, mais très grinçant.

Après l'interview, le 21 janvier 2017 (Photo: Henri Calquier-Bresson).

(Photo: Ji Fotoloft).

Cela fait bientôt 20 ans que Les Tit' Nassels livrent leur univers teinté de tendresse, d’humour et de profondeur. En plein cœur qui a nécessité deux ans d’écriture est leur 9ème album  (studio et live confondus). Il ne ressemble pas aux précédents, même s’il reste dans le même esprit. Il est plus rock, les guitares électriques, les claviers se font plus entendre. Il est peut-être un peu plus sombre au niveau des textes mais ils restent optimistes. "Bien ancrés dans leur époque, ils manient la poésie du quotidien comme celle des grandes cassures sociales". Les Tit' Nassels, dans cette droite ligne de la chanson française qui sait se faire pop, ont donc encore de belles heures devant eux. Le 23 janvier dernier, j’ai rejoint Sophie et Axl dans leur loge du Divan du Monde, salle de spectacle dans laquelle ils se produisaient le soir même.

Argumentaire officiel de l’album :

Voilà maintenant plus de quinze ans et une tonne de concerts qu'Axl et Sophie offrent au public leurs chansons naviguant entre humour acerbe, mélancolie et commentaire social percutant. En 2014, ils devenaient fous (Soyons fous !) et se payaient le luxe de transformer le duo en quatuor. Ils s'allouaient alors les services de Romain Garciaà la basse et David Granierà la batterie. Une riche idée au service de leur disque le plus abouti jusque-là. En 2016, fini la folie, c'est en plein cœur qu'ils veulent toucher. Et, à quatre de nouveau. Dans En plein cœur,  ils parviennent à capter l'air du temps et à raconter avec douceur cette époque morose où la nostalgie de temps plus apaisés se heurte à un avenir incertain. D'une demande en mariage bizarre ("Ta main") à un rejet des fanatismes religieux ("J'ai tout oublié") en passant par des histoires d'amour qui tournent mal ("Quitte-moi", "T'aurais pu prévenir"...), l'ambiance n'est peut-être pas à la fête ("Je vois"), mais l'espoir n'est jamais loin ("Bonhomme"). Un disque qui prouve, si c'était encore à faire, que les Tit' Nassels savent toujours nous toucher en plein cœur.

(Photo : Ji Fotoloft)

Interview :

Vous vous êtes rencontrés au lycée. Racontez-moi comment vous avez décidé de créer ce duo qui dure.

Sophie : Axl jouait déjà dans un groupe de rock et, contrairement à moi, il savait déjà qu’il passerait sa vie à faire de la musique. Dans les soirées étudiantes, il prenait la guitare et nous chantions ensemble. Constatant que j’aimais bien chanter, un jour, il m’a demandé de venir avec lui dans des scènes ouvertes. J’aimais bien faire la deuxième voix.

Tu n’aimais pas trop te mettre en avant. Par timidité ?

Sophie : Oui, un peu. Mais au départ, je faisais ça pour lui rendre service. Petit à petit, on s’est pris au jeu et nous ne nous sommes plus arrêtés.

Quand avez-vous compris que la musique allait devenir une affaire sérieuse dans votre vie ?

Sophie : C'est venu naturellement. En 1997, on a fait toute les scènes ouvertes du Théâtre de poche à Saint-Etienne. Un jour, le directeur du théâtre nous a dit qu’il voulait nous programmer de manière officielle. Il a suggéré que nous trouvions un nom. On a décidé de s’appeler les Tit’s Nassels, on ne sait même plus pourquoi. On a dû trouver cela dans une soirée arrosée (rires).

Vous chantiez quoi à cette époque ?

Sophie : Des reprises de chansons françaises comme celles de Mano Solo et de Kent et aussi du Beatles, du Simon & Garfunkel. On aimait bien reprendre des mélodistes. Mon plaisir était d’harmoniser.

Un jour, vous décidez d’enregistrer un premier disque. Non, pardon, une première cassette.

Sophie : Oui, de manière très artisanale. Nous les vendions à la fin des concerts. On a dû en écouler une centaine.

Il vous en reste des exemplaires ?

Sophie : Axl en a une. Il garde tout, c’est dingue !

Ensuite, tout s’est enchaîné rapidement ?

Sophie : Notre premier album a été enregistré dans un garage et il était autoproduit. Axl avait réussi à en mettre quelques-uns à la Fnac de Lyon. Il y avait Fabien Salzi qui était vendeur à la Fnac de Lyon, mais qui avait aussi un label. Non seulement, il a aimé notre album, mais il a pu également constater qu’il partait bien, du coup, il nous a proposé de signer dans son label, Délivrance.

Vous avez beaucoup joué dans les bars. C’est l’école de la musique la plus formatrice ?

Sophie : Complètement. Il fallait savoir captiver l’attention de personnes qui n’étaient pas là pour nous. Il y avait des gens bien « bierrisés » qui criait « fais chanter la fille ! », « A poil ! »… bref, c’est effectivement très formateur de jouer dans ces conditions. Après, on peut se produire n’importe où.

"En plein cœur", tiré de l'album En plein cœur.

Cela fait plus de  20 ans que vous jouez ensemble, il n’y a pas, parfois, un peu de lassitude ?

Axl :Ça peut arriver quand on fait plein de concerts successifs, mais là, c’est plus de la fatigue que de la lassitude. Non, vraiment, on ne se lasse pas l’un de l’autre. On a la chance de faire un métier qu’on aime, on s’amuse, on rencontre plein de gens, on fait des chansons… on n’a surtout pas envie que cela s’arrête.

Textuellement et musicalement, sentez-vous que vous progressez d’album en album ?

Axl : Lorsque l’on écoute la première cassette, on comprend que la progression est réelle (rires). Sans dénigrer ce que l’on faisait on début, on sent qu’il y a de l’amélioration à tous les niveaux : l’écriture, le chant et la façon de jouer de la musique. De plus, il faut savoir se renouveler.

Ce renouvellement passe par deux musiciens supplémentaires ?

Sophie : Oui, ça permet beaucoup plus d’arrangements.

Axl :Ça donne une dynamique différente dans notre musique. Et puis, ça nous permet de nous lâcher plus sur scène. On a moins de technique à gérer et c’est très agréable.

Votre public est très fidèle. Vous n’avez pas eu peur de le décevoir en changeant de formule ?

Axl : Même si on y a pensé, ça reste nos deux voix et nos chansons. Et puis, ça fait au moins 10 ans que nous sommes plus que deux sur nos albums. Jamais personne ne nous a dit : « on préfère le duo ! ». Nous sommes toujours un duo aux yeux du public.

Version acoustique de "Contre toi", chanson tirée de l'album En plein cœur.

J’aime beaucoup votre sens de la mélodie.

Sophie : Je peux commenter parce que c’est Axl qui compose. Ce qui m’impressionne chez lui, ce sont ses mélodies et son sens des arrangements.

Axl : Je dois tout à Daniel Balavoine.

C’est ironique ?

Sophie : Non, Axl adore Balavoine.

Axl : L’album Les aventures de Simon et Gunther est un bijou. Les arrangements sont superbes.

On ne vous entend pas beaucoup à la radio, du coup, votre popularité n’est pas à la hauteur de celle que vous méritez. Ça vous fait quoi ?

Sophie : On aimerait bien que le public accède plus facilement à nos chansons, mais nous ne sommes absolument pas dans la frustration.

Axl : Si on avait plus de notoriété, cela nous permettrait de faire plus de scènes et de nous ouvrir plus de portes. Nous aimerions avoir des moyens plus conséquents pour continuer à faire de la scène dans des conditions encore meilleures. Bien sûr, on ne refuserait pas une reconnaissance plus importante par rapport au travail que nous faisons depuis plus de 20 ans. Mais tout va bien. Le réseau alternatif dans lequel nous sommes nous permet de faire ce métier honorablement.

Dans toutes vos chansons, il y a du drôle et du moins drôle.

Sophie : Depuis le début, on écrit comme ça. Je me souviens qu’un jour une programmatrice nous avait dit : «  vous devez choisir, soit vous êtes drôles, soit vous ne l’êtes pas ! » Non, parce que dans la vie nous sommes comme ça et que nos chansons nous ressemblent.

Axl : Un album représente une période de vie. On vit des choses légères et d’autres qui le sont moins.

Est-ce que l’un veut épater l’autre ?

Sophie : Pas épater, mais j’aime bien quand Axl est content de mon travail.

Axl : Et vice versa. Avec Sophie, on voit le monde de la même manière, donc nous sommes presque toujours sur la même longueur d’onde.

Sophie : Par exemple, ça n’est jamais arrivé que je ne sois pas en totale adéquation avec un texte d’Axl.

Il faut se ressembler un peu pour qu’un duo dure longtemps ?

Sophie : Oui, je pense.

Axl : C’est important que nous ayons les mêmes idéologies pour chanter des textes réciproques ensemble.

Il y a des messages dans vos chansons, mais tellement poétiques qu’ils ne paraissent pas engagés.

Sophie : On n’aime pas la chanson engagée pure. Qui sommes-nous pour faire la morale ? On préfère dire les choses de manière poétiques et imagées.

Axl : J’aime la chanson engagée quand elle veut dire quelque chose. Brassens, Ferré, là oui, ça voulait dire quelque chose. Aujourd’hui, c’est facile de lever le poing et de dire « j’emmerde le Front National ! »  Ce n’est pas notre boulot, notre démarche, notre envie d’être premier degré dans les chansons qui racontent la société et le monde d’aujourd’hui.

Pendant l'interview...

Quand on écrit et chante depuis 21 ans, est-ce qu’on n’a pas tout dit ?

Axl : On a peut-être tout dit, mais jamais sous le même angle.

Sophie : On ne se pose pas la question. Si nous nous la posions, ce serait peut-être mauvais signe.

Vous faites partie d’une scène parallèle qui n’a pas besoin des médias.

Sophie : C’est rassurant, mais c’est tout de même de plus en plus difficile pour cette scène-là.

Axl : Les gros artistes médiatisés prennent de plus en plus cher pour faire de la scène et participer aux festivals. Comme les maisons de disques ont un manque à gagner dans la vente des disques, du coup, ils récupèrent avec la scène. Il y a donc moins de place pour les autres groupes. Les festivals veulent de moins en moins prendre de risques.

Sophie : Les programmateurs savent qu’ils vont remplir leur festival avec les gros artistes, alors, ils prennent tous les mêmes et ne vont pas chercher plus loin. Comme ils sont moins subventionnés, on peut aussi les comprendre. Il faut bien que leurs festivals tournent.

Après l'interview, le 23 janvier 2017.

(Photo : Frank Loriou, mandorisé là)

« Albin de la Simonea creusé son sillon de manière aussi modeste que profonde. Parmi la grande famille de la chanson française, c'est lui le plus doux », indique le dossier de presse.  La fragilité de son timbre l'a immédiatement conduit à un registre intimiste : il en a fait sa force aujourd'hui. Quand Albin chante, c'est comme s'il vous parlait au creux de l'oreille.

L’un de nous fait suite à Un Homme, qui avait connu un accueil critique unanime. C’est peut-être son disque le plus grave, le plus sérieux et le plus mélancolique. C’est en tout cas ainsi que je l’ai ressenti. Ce 5ème album confirme ce que le précèdent avait commencé à montrer : Albin de la Simone est un artiste incontournable de la Chanson Française.

Je le connais un peu, juste par le biais de différentes interviews, et, lui comme moi, aimons nous rencontrer à chaque nouvel album. Le 23 février dernier, nous nous sommes donné rendez-vous dans un café à côté de sa maison de disque. Un délicieux moment.

Biographie officielle (très écourtée) :

Le précédent album d'Albin de la Simone s'appelait Un homme. Le nouveau aurait pu s'appeler Une femme tant il en est question. Il aurait aussi pu s'appeler Un piano, puisque c'est le trait d'union entre les titres : ils ont tous été enregistrés selon la formule piano-voix en deux jours, pour être par la suite généreusement étoffés. Il s'appelle finalement L'un de nous.

Si tous les morceaux sont nés autour d’un seul piano, ils se gardent bien de représenter le point de vue d'un seul homme mais plutôt celles d'une multitude de personnages qu'incarne tour à tour le chanteur : l'incorruptible ("À midi on m’a dit"), le résigné ("Embrasse ma femme"), le lucide ("Ma barbe pousse") mais aussi l'optimiste ("La fleur de l’âge"), le sensible ("Une femme"), le peintre face à son miroir ("L'ado")  et le disciple de l'absurde  ("L'un de nous"). La légèreté des arrangements cachent une mélancolie profondément ancrée au creux du personnage. Qui est toujours contrebalancée par un grain de folie qui donnent aux chansons d'Albin de la Simone toute leur saveur.

Les chansons de L'un de nous ont en commun d'exprimer un rapport au temps. Le couple est également un sujet qui l'inspire. A l'auditeur de deviner quelles sont les chansons les plus autobiographiques : il n'en dira pas plus.  

On reconnaît encore ici le timbre sensuel d'Emiliana Torrini. Maëva Le Berre et Anne Gouverneur, les complices d'Albinà la scène, l'ont accompagné au violoncelle et au violon. François Lasserre est venu poser des accords de guitare, Sarah Murcia de la contrebasse. Des instruments inattendus se sont invités à la table : la harpe de Milamarina, la scie musicale de Mara Carlyle et les casseroles de Jacques Tellitocci. Raphael Chassin a eu carte blanche au niveau des batteries. Sabina Sciubba, la chanteuse du groupe américain Brazilian Girls donne la réplique à Albin sur « À quoi ». En conclusion de L’un de nous, la voix de Vanessa Paradis– qui répondait déjà à celle d’Albin en 2008 sur « Adrienne » - invite « L’ado » à sortir de sa solitude.

(Photo : Frank Loriou)

Interview :

Tu viens d’obtenir les 4 T de Télérama. C’est encourageant d’être reconnu par les professionnels ?

C’est super agréable. Je suis très content que l’on parle de moi et qu’il y ait ma photo dans Télérama. Ça me fait plaisir et ça fait plaisir à ma maman. En dehors du côté narcissique, qui est évidemment présent, ce genre d’article sympa amène plus de gens à mon travail. D’une manière pragmatique, c’est le véhicule de mes chansons. Il y a trois positions : soit la presse est contre ton travail, soit elle s’en fout, soit elle est pour. C’est plus agréable d’être dans cette dernière catégorie. Si je fais des disques et que personne n’en parle, je l’ai dans l’os. Je lis des choses très douces à mon sujet et ça rend acceptable le contre.

Il y a du contre ? Je n’en ai pas beaucoup vu ou lu.

Aujourd’hui, j’ai lu un article dans le Nouvel Obs qui est globalement pour, mais qui dit trois, quatre trucs assez chargés, un peu contre, mais ça ne me dérange pas du tout. Parce que c’est mon 5^e album, j’arrive à être plus détaché par rapport à ce que l’on peut dire sur moi. Les gens aiment plus ce que je fais aujourd’hui que ce que je faisais il y a 15 ans, du coup, ça me détend. Je suis beaucoup moins inquiet.

Après ton précédent album, Un homme, que j’avais trouvé sublime, je me suis demandé si tu allais pouvoir faire mieux la fois suivante. Tu y es parvenu.

Moi aussi je me suis demandé si je pouvais faire mieux parce qu’il avait été dit beaucoup de bien de ce disque. Avec L’un de nous, c’est la première fois que je faisais un disque en étant encore en accord avec le précédent. Les autres, je les faisais un peu contre le disque d’avant. Là, je n’étais plus en réaction, donc j’ai cherché à « attraper » Un homme pour écrire ce nouvel album.

C’est vrai, tu as raison. Je me souviens par exemple que Bungalow, par exemple, était complètement opposé du précédent, Je vais changer.

Oui et d’ailleurs, Un homme a été une réaction à Bungalow.

Mais de réaction en réaction, du coup, tu es tombé sur la bonne réaction ?

Oui. Avec Un homme, j’ai trouvé le langage et la place qui me convenaient. En gros, je suis le même mec que la dernière fois que nous nous sommes vus, mais qui a vécu de nouvelles choses, donc qui parlent d’autres choses. Je suis désormais moins préoccupé par la masculinité, par le poids de ma responsabilité de nouveau papa. Aujourd’hui, je pense plus au couple. J’évolue, mais ma place est la même ? Je suis juste plus serein.

Clip de "Le grand amour", tiré de l'album L'un de nous.

Est-ce qu’un homme serein fait des chansons sereines ?

C’est à toi de me le dire.

D’après ce que j’ai écouté dans ton disque, pas forcément. Il y a de la rupture, des doutes…

Oui, mais aborder les choses, voir les problèmes et les accepter comme tels permet d’y faire face et permet d’être heureux. Je suis d’un tempérament psychanalytique. Je ne fais plus de psychanalyse, mais j’en ai fait. J’ai plutôt tendance à me dire que la vie n’est possible que lorsque l’on en reconnait les embuches. En parler est la première étape pour pouvoir y faire face. Si mes chansons parlent de ça, c’est parce que je ne me voile pas la face sur ce que c’est de vieillir, ce que c’est que la difficulté de faire durer l’amour. Pour moi, il faut être lucide pour pouvoir avancer et il faut faire des chansons lucides pour être honnête.

Quand tu vis des choses pas très agréables dans ta vie, tu te dis qu’au moins, ça fera une belle chanson ?

Non, pas du tout. Tu sais, je n’ai pas vécu la moitié de ce que raconte.

Oui, mais beaucoup de tes chansons racontent des évènements qui te sont personnels.

Je ne suis jamais sûr de pouvoir réussir une chanson sur une thématique. Je ne décide jamais des thèmes sur lesquels je vais écrire. Par exemple, un jour j’ai trouvé cette phrase que j’aime bien : ma barbe pousse. Ça veut dire quoi ma barbe pousse ? C’est le temps qui passe, je change aussi, et ça veut dire « tu ne reviendras pas ». Je confronte le changement et le temps à  l’amour. Elle ne reviendra pas parce qu’il a changé. Dans le refrain de cette chanson « Ma barbe pousse », finalement, il dit « ça va ». Et dans le refrain suivant, il dit « ça va aller » et on comprend que ça ne va pas tant que ça en fait. De fil en aiguille, j’avance et je me rends compte de quoi parle ma chanson. Je te le répète, je ne définis jamais un thème à l’avance.

(Photo : Frank Loriou)

Cette faculté qu’ont les gens, j’en fais partie, de penser que des artistes comme toi racontent leurs propres histoires, c’est agaçant ?

Pas du tout. Je sais que je joue avec le feu. Je n’ai qu’à dire « sa barbe pousse ». Que cela parle de moi ou de mes préoccupations personnelles n’a aucun intérêt. Je peux avoir vécu certaines histoires que je raconte, sans que ce soit mon quotidien. Je me sers aussi de ce que je vois dans la vie des autres, dans des films… Une chanson comme « Les chiens sans langue », on peut ne pas comprendre que je parle d’un couple qui a perdu un enfant. Mais j’ai fait exprès d’écrire une chanson un peu énigmatique sur ce sujet. Je ne connais personne à qui c’est arrivé, mais je me suis inspiré du film « La chambre du fils » de Nanni Moretti que je n’ai pas vu, mais dont je connais le thème. Tu l’as compris, j’ai des images d’un film que je n’ai pas vu, des histoires que j’ai entendues, de très grandes peurs par rapport à mon propre enfant.

Est-ce qu’il faut savoir précisément de quoi parle une chanson ? Parce que maintenant, au regard de ce que tu viens de me dire, j’écouterai « Les chiens sans langue » différemment.  

Je ne sais pas justement. Sur mon deuxième disque, Je vais changer, j’ai écrit une chanson sur la pédophilie qui s’appelait « Notre homme ». C’est une chanson qui est forte, mais elle est trop dure. Il y a des gens qui m’ont dit avoir beaucoup souffert d’écouter cette chanson. Tout le monde n’a pas envie de faire face à ça. Un film de Nanni Moretti, tu décides d’aller le voir, on ne te le met pas au milieu d’un album, sans prévenir, entre deux chansons plus légères. Je ne veux plus que les gens prennent une chanson qui leur fasse comme un coup de poing dans la gueule parce qu’ils n’ont rien demandé. Du coup, je fais attention de ne pas faire souffrir les gens et je ne veux pas les prendre au piège. Je laisse désormais des portes de sorties à mes chansons graves.

Dans « Les chiens sans langue », moi, j’avais juste compris que c’était un couple qui avait complètement déraillé. Tu as mis de la poésie sur la souffrance la plus dure qu’un être humain puisse endurer.

Ceux qui ont vécu la tragédie que je raconte comprendront peut-être…

Parlons musique. Tu as enregistré tes chansons en piano-voix, ensuite toutes les musiques ont été intégrées sur elles au fur et à mesure.

On enregistre toujours un noyau, un squelette au piano ou à la guitare et après on étoffe. On fait toujours comme ça, sauf qu’après on refait toutes les voix. Là, j’ai décidé de ne rien toucher. J’ai enregistré sans aucune contrainte avec les arrangements. Ce sont les arrangements qui ont été contraints par la voix. J’ai découvert ça en travaillant avec Vanessa Paradis et avec Christophe Miossec. On a fait le costume autour du corps plutôt que d’essayer de faire rentrer le corps dans le costume.

Audio : 6 extraits de l'album L'un de nousen 1'36''.

Quel rapport entretiens-tu avec ta voix ?

J’ai un rapport compliqué avec ma voix, mais ça va de mieux en mieux. Je ne suis pas le chanteur que j’aimerais être. Je m’estime un chanteur correct et j’ai une voix qui ne ressemble à aucune autre, il parait que c’est déjà une chance. Par contre, j’ai un problème avec les effets non nécessaires.

D’où, ta série de concerts sans micro.

Si on est dans une pièce avec 100 personnes et que les murs ne sont pas trop loin, y a-t-il vraiment besoin d’un micro pour que l’on me comprenne, que l’on m’entende et que ce soit joli ? J’ai décidé, quand c’est possible, de chanter sans micro le plus souvent. Je vois que les gens apprécient beaucoup ça. On a joué dans des salles de 700 places avec mes musiciens et il n’y a eu aucun problème. Les oreilles s’ouvrent comme les yeux dans le noir.

Le public doit être discipliné, non ?

Quand un prof ne parle pas fort, s’il est intéressant, tout le monde l’écoute. Ce n’est donc pas une question de discipline, mais d’intérêt. Quand le public tape dans les mains, il entend plus la musique, donc finalement, ça créé un rapport ou tout son devient musique. On peut faire chanter le public, on se retrouve dans un rapport acoustique complètement juste et complètement équitable. Quand je demandais au public de faire les chœurs  ou des sifflements, comme je le faisais lors de la tournée précédente, c’était parfaitement musical et dissocié. Tous, dans la même pièce, nous faisions de la musique ensemble. Tout devient simple, naturel,  normal… c’est l’inverse qui n’est pas normal. On est tellement bombardé par la lumière et le gros son, que j’ai misé sur la simplicité.

Je suis le premier à t’interviewer pour ce disque, mais cette période de promo qui t’attends, tu l’apprécies à l’avance ?

J’aime bien parler, mais ce qui m’enrichit le plus, c’est d’entendre les analyses des uns et des autres sur mon travail, de découvrir des trucs sur moi, sur mon disque. J’aime bien mais évidemment, ça dépend aussi avec qui. On ne sait jamais comment le travail que l’on fait est compris. Il est possible qu’au 95^e appel d’un journaliste de la presse régionale qui n’aura pas écouté mon disque, mais à qui on aura dit que je viens jouer le lendemain dans sa région et qu’il faut me poser des questions, je ne sois pas dans le même état d’esprit.

Clip de "Mes épaules", tiré de l'album Ton homme.

Dans ton précédent album, il y a une chanson qui est sorti du lot et qui a touché beaucoup de monde, c’est « Mes épaules ». Quand on écrit une chanson comme celle-ci, on a envie de parvenir et en faire une autre aussi importante ?

A mon échelle, « Mes épaules » est le tube de ma carrière. Les gens m’ont dit que cette chanson leur racontait des choses très intimes et très fortes. Est-ce qu’à un autre moment, je parviendrai à écrire une chanson aussi forte ? On ne sait jamais une telle chose. On ne peut pas, ni ne doit s’habituer à ce que notre « œuvre » fasse de l’effet, mais quand tu sais qu’une chanson a beaucoup marqué, à chaque fois, ça te fait plaisir.

La musique est un art…

Pas mineur du tout. Je ne suis pas du tout d’accord avec cette notion-là. Je suis un artiste totalement. Peut-être pas majeur, mais je fais un art qui est digne de cette appellation.

Tu fais le plus beau métier du monde ?

Oui, je pense En tout cas, il faudrait que je sois bien con pour que je ne me rende pas compte que j’ai une vie qui me plait. Ma vie est super compliquée pour plein de trucs, mais je fais un métier qui me demande beaucoup, mais qui me satisfait tellement. Le plaisir que j’ai est à la hauteur de mon investissement. Mon père est décédé en 2009, il n’a donc pas vu l’essentiel de mon travail. Entre 2009 et aujourd’hui, il s’est passé beaucoup de choses, je regrette qu’il n’ait pas eu le temps d’assister à ça. Je pense qu’il serait content de ce que je suis devenu et de ce que je fais.

Tu es ami avec Sophie Calle. Son travail d'artiste consiste à faire de sa vie, et notamment des moments les plus intimes, une œuvre.… Elle t’a permis d’utiliser une de ses photos pour la couverture de ton disque. Elle qui ne cache strictement rien de sa vie, est-ce que ça change ta perception du dévoilement dans la chanson ?

Je ne me suis pas posé la question de savoir si ça a modifié mon rapport à l’autobiographie. Je ne crois pas, parce qu’entièrement se dévoiler demande un certain tempérament. Etre Sophie Calle, c’est être Sophie Calle. Elle est ultra authentique, magnifique et sincère. Elle m’a tellement touché par cette manière de travailler sur elle. Moi, je suis beaucoup moins autobiographe. Ma matière est plus maquillée…

Le 23 février 2017, après l'interview.

(Photo : Olivier Ducruix)

Jusqu’ici, le guitariste-bassiste-chanteur Fred Alera a toujours fait du rock (dans toutes les variations que peut proposer ce style musical) et a toujours chanté en anglais. C’est dire s’il y avait peu de chance qu’il se retrouve un jour sur ce blog. Mais il y a deux ans, il décide de franchir un autre cap. Il écrit des chansons dans sa propre langue sur des musiques plus pop. En découle un EP éponyme diablement efficace. Dès que j’ai découvert ce travail, j’ai appelé illico Fred Alera pour lui proposer une mandorisation. J’ai du mal à comprendre qu’il n’y ait pas d’articles, de focus sur cet EP (que vous pouvez découvrir là en intégralité) réalisé par Damny Baluteau, sorte de petit génie de la réalisation et de l’arrangement. Les chansons de Fred Alera, fines et sensibles te caressent l’âme et  réchauffent le cœur. Et quand  même, putain de voix !

J’espère pour lui que mes confrères auront la curiosité de s’intéresser à cet artiste au parcours pas banal et au talent certain. Le 24 janvier dernier, Fred Alera est donc passé à l’agence pour une première mandorisation.

Biographie officielle :

Auteur-compositeur-interprète multi-instrumentiste issu de la scène indé française depuis le début des années 2000, c'est avec des groupes punk-rock/noise hardcore (Second Rate, Billy Gaz Station, Napoleon Solo, Billy The Kill en solo...) que Fred Alera arpente le circuit Do It Yourself avec ce qu'il faut de de passion, de ténacité, et l'intégrité que requièrent les difficultés de la discipline. Tournées, disques, studios, collaborations, rien n'arrête ce hobo des temps modernes pour qui le rock est une réalité non fantasmée, celle qui rime avec mode de vie au quotidien.  Avec son nouveau répertoire en français, Fred est rapidement repéré sur internet par le réalisateur et arrangeur Damny Baluteau (La Phaze, Pungle Lions...). C'est dans cette collaboration fructueuse au Pliz Studio qu'il s'épanouit, en autonomie, à travers une production singulière et racée. Des arrangements crépusculaires conduisant au cœur des nuits urbaines, taillés à la mesure du songwriting pop et ombreux de Fred Alera.  Un blues à lui qui se prononce désormais BLEU.

Interview :

Tu as commencé ta vie de musicien au début des années 2000 dans le punk rock et le rock’n’roll.

Je suis un pur produit de ma génération. J’ai eu des grandes sœurs qui m’ont fait découvrir très tôt des disques des années 70-80, que ce soit du classic rock ou du punk rock. A l’apparition de Nirvana, j’avais 13 ans  et l’impression que ce que chantait Kurt Cobain s’adressait à moi et à ma génération. Du coup, ça a décomplexé pas mal de choses parce que c’était une musique qui se faisait simplement, rapidement… quelques accords, de belles chansons. C’était des groupes qui mettaient un coup de pied dans la fourmilière. On était loin du rock progressif ou du rock technique.

Dans tes différents groupes, vous chantiez des textes revendicatifs ?

Pas forcément, non, mais j’écoutais des groupes revendicatifs comme les Clash. En France, à l’époque, nous étions plus séduits par la forme. Le fond des textes et les messages délivrés n’étaient pas trop notre problème. En tout cas, personnellement, à 14 ans, personnellement, j’étais loin de ses préoccupations là.

Second Rate : Live de "Must be a reason" et de "Full of devil"à La Pêche (Montreuil) le 03 mai 2014.

Tu étais un peu rebelle ?

Oui, on va dire ça. Ça se mesurait avec un look, une attitude face à la masse. On essayait de sortir du lot pour avoir notre propre identité. On avait le désir d’être à part.

Un jour, tu as décidé de te lancer en solo, en créant Billy The Kill. Tu en avais marre de la vie de groupe ?

J’ai fait Billy The Kill en parallèle de mes autres groupes. Je composais pas mal de chansons sur ma petite guitare en bois, du coup, je me suis mis à enregistrer des disques tout seul, à faire de la scène tout seul. Il y a avait derrière ça peut-être un truc égotique, mais j’estimais qu’il était dommage que  les chansons que je créais ne soient pas jouées. Je suis du genre à me dire : « N’attends pas que les gens viennent te chercher, va les chercher toi-même. »

Billy The Kill: "Please let me be" en audio.

Alerte !Tout le dernier album de Billy The Kill, An open bookwith spelling mistakes est écoutable ici.

Ce n’est pas pour rien si tu fais partie du circuit DIY( Do it yourself ).

C’est un mouvement américain qui se tient loin des majors, loin des grosses maisons de disque. « Fais toi-même ce que tu as à faire » est un peu le credo de ce mouvement. Moi, par exemple, à 14 ans, j’ai fait un fanzine pour parler des groupes que j’aimais bien. Je prenais le taureau par les cornes pour partager ma passion.

Que t’ont appris ces années-là ?

L’autonomie, la débrouillardise, la confiance en soi et penser par soi-même. C’était une belle aventure humaine à base d’échanges, de coups de main, de solidarité. Nous avions aussi une posture un peu politique et sociologique, avec de gros guillemets.  On était anti vedettariat, anti tout ce qu’on nous bassinait à la radio. Bon, je suis revenu aujourd’hui sur pleins d’idées préconçues que j’avais.  

Peut-on dire que le rocker est un peu fatigué et donc qu’il tourne la page pour se consacrer à la chanson française?

J’ai toujours beaucoup d’amour pour le punk rock, mais artistiquement, dans le fond, je trouvais que ce genre n’était plus mon meilleur vecteur d’expression. J’avais besoin d’une nouvelle façon de m’exprimer. Déjà avec Billy The Kill, je commençais ma mutation. C’était du song writing sur du blues, des ballades.

Tu chantais en anglais, dans ton nouvel EP, tu chantes en français…

Chanter en français a été une manière de m’exprimer plus précisément et de réunir la forme avec le fond. Au bout d’un moment, quand je chantais en anglais, je me suis senti dans la peau d’un imposteur.

Tu as donc commencé à mettre de nouvelles chansons en langue français sur Youtube.

J’ai sauté le pas en n’en attendant rien de précis. Damny Baluteau, qui connaissait mes travaux d’avant,  tombe sur certaines vidéos. Il apprécie, on se rencontre et on décide qu’il devienne le réalisateur de mon EP. Il a aimé le côté un peu anglo-saxon de la musique avec les textes en français.

Qu’est-ce que cela t’apporté de travailler avec lui ?

D’abord, je voulais avoir une production vraiment différente de ce que je faisais avec Billy The Kill. Habituellement, je faisais tout moi-même, là, je suis arrivé, il a proposé des arrangements un peu plus synthétique avec plus de relief.

Il est bon de se laisser un peu diriger ?

En tout cas, je voulais tenter l’expérience. A la force d’avoir trop le contrôle de sa musique, j’ai l’impression que l’on se répète, que l’on dit la même chose. J’avais vraiment envie de tester d’autres choses, de travailler avec d’autres gens.

Tes chansons racontent des histoires d’un trentenaire désabusé, non ?

C’est vrai que je suis trentenaire bien entamé et que je suis un peu désabusé, mais je raconte surtout des choses qui traversent la vie de beaucoup d’individus, les difficultés de l’existence. Parfois, je pars d’un texte et je ne sais pas où il me mène. Après, rétrospectivement,  je pourrai y trouver du sens. Je réfléchis à la sonorité des mots, comment ils sonnent fluides dans ma tête. J’aime quand mes textes paraissent assez vagues, très naturels. J’essaie de trouver quelques « punchlines », des phrases qui me font de l’effet et dont j’espère qu’elles toucheront les gens.

Chaque personne peut trouver du sens à tes chansons, c’est très fort !

Merci, c’est un compliment, car je déteste imposer les choses. L’appropriation d’une chanson par ceux qui l’écoute est ce qu’il y a de plus important. J’aime qu’il y ait autant de liberté donné à moi qu’à l’auditeur.

Tu chantes de la même façon en anglais qu’en français ?

Je suis moins démonstratif en français, je n’ai rien à compenser et je suis un peu plus dans les graves. Et on chante mieux parce que, quand on a la mélodie dans la tête, avec par exemple, tels nombres de pied, on a pas de mal à la remplir. C’est beaucoup plus fluide.

Estimes-tu faire de la chanson française ?

J’aime à dire que ce que je fais aujourd’hui est du song writing pop. Pour moi, la base, c’est le song writing, que ce soit interprété par un groupe de punk rock sur une minute quinze ou par William Sheller dans une œuvre de six minutes. J’aime l’art de faire de bonnes chansons avec de bonnes mélodies.

"J'ai menti" en live le 2 mars 2017 au Pop-up du label.

Ta voix à quelque chose de proche de celle de Pascal Obispo, même si tu as ta propre et superbe identité vocale.

Pour moi, ce n’est pas du tout une insulte. J’aime bien sa voix, il utilise beaucoup les aigus à la Polnareff. Il est souvent démonstratif, mais il peut être très suave. C’est d’ailleurs son côté suave que je préfère. Mais quand on me dit que sa voix est proche de la mienne, je reste tout de même septique.

Je crois qu’un de tes groupes français préférés est Les Innocents.

Ils ont des productions hypra anglo-saxonnes. C’est hyper pop. Je conseille à tous les fans d’Elliot Smith, tous les gens qui aiment la pop élégante, d’écouter l’album Post-Partum. Ça n’a rien à envier aux américains ou aux anglais. Si j’atteins ce niveau un jour, je pourrai dormir tranquille.

Pendant l'interview le 24 janvier 2017.

Benjamin Valliet est multi-instrumentiste. Sous le nom de JNEB, il compose, écrit, réalise, il est cadreur, monteur, dessinateur… Cet artisan multidisciplinaire (déjà  mandorisé ici) essaye toujours d’être là où on ne l’attend pas. Le 16 février dernier (mon dieu, il y a quatre mois !), il est venu à l’agence me présenter son premier livre 400 questions complètement à la con (et aucune réponse). Je ne suis pas du tout client de ce type d’ouvrage, mais connaissant Benjamin, je me doutais qu’il fallait passer outre le titre racoleur (et pas très raffiné).

L’auteur :Benjamin Valliet est un créateur protéiforme. Avec 6 disques et quelques centaines de concerts au compteur (en solo et avec son groupe humoristique MASCARADE), il œuvre dans l'écriture, la composition musicale et le défoulement scénique depuis près de 20 ans. Il écrit pour des chanteuses francophones, s'adonne aussi à la photo, au dessin, au photomontage ou encore à la confection de clips, dont certains en animation 2D.

Présentation du livre :

Comment une fille à la poitrine inexistante peut-elle être un gros bonnet ?

Comment un écrivain vénitien fait-il pour ne pas être en tête de gondole ?

Comment peut-on se renvoyer l'ascenseur dans une maison de plein pied ?

Comment un photographe peut-il ne pas atteindre ses objectifs ?

Comment un intello peut-il ne pas aimer les tâches méningères ?

Comment fait un rugbyman pour ne pas finir pilier de bar ?

Arts, loisirs, santé, sciences, vie pratique... Vous allez vous poser des tas de questions !

Interview :

C’est quoi exactement le concept de ton livre ?

C’est un recueil de pensées débiles qui ne sont pas vraiment des pensées et qui ne sont pas forcément débiles.

Sous l’humour, on décèle parfois de la profondeur.

Il y a des phrases plus subtiles qu’elles n’y paraissent. Il faut parfois gratter et comprendre ce qu’il y a en dessous de la première couche. Quelqu’un m’a même dit qu’il y avait des phrases à teneur philosophiques.

Le titre du livre peut laisser présager un truc un peu gnangnan, voire con con…

Oui, mais ça  ne me dérange pas. J’aime jouer au con et, comme tu le sais, être là où on ne m’attend pas.

Tu n’es pas con, mais tu aimes jouer aux cons.

Je fais les choses sérieusement sans me prendre au sérieux, comme dirait l’autre.

Ces phrases ont été créées uniquement pour ce livre ?

J’aime l’absurdité. Il y a quelques années, j’ai écrit une cinquantaine de phrases un peu absurdes, dans le cadre d’un projet que j’ai appelé : « Je ne comprends pas ». J’ai déclamé ces phrases sur une vidéo musicale et les gens ont plutôt apprécié. Un matin, je me suis réveillé et je me suis demandé quoi faire avec ça. C’était à une période où j’avais des difficultés personnelles et des difficultés musicales. J’avais surtout envie de trouver un projet qui ne tenait qu’à moi, un projet où personne d’autre ne pourrait ralentir mon travail, mon engagement et ma volonté. J’ai donc trouvé cette idée de livre. J’ai rassemblé dans ma tête toutes les expressions idiomatiques que je connaissais, tous les mots qui répondaient à la polysémie (note de Mandor : caractéristique d'un mot ou d'une expression qui a plusieurs sens ou significations différentes). Pendant plusieurs semaines, j’étais sur le qui-vive en permanence. Dès que j’entendais des gens parler, que je regardais une série, que j’écoutais une chanson, dès que j’entendais des expressions, j’essayais tout de suite de rebondir dessus dans le schéma de mon livre qui joue sur la contradiction des mots.

Ça ne devenait pas obsessionnel au bout d’un moment ?

Si, mais déjà, je suis un obsessionnel. J’ai même un trouble de l’attention avec hyper activité. Mon côté hyper actif peut être très chiant pour mon entourage, mais c’est aussi un peu chiant pour moi à vivre.

Le clip du premier extrait du futur album de JNEB (Benjamin Valliet), L'inertie du désespoir.

Pour être publié, tu as entrepris quelles démarches ?

J’ai mis la charrue avant les bœufs. J’ai dû écrire 150 ou 200 phrases. J’ai ensuite tapé sur google : « maison d’édition humour ». J’ai contacté par mail une quinzaine de maisons d’édition, j’ai eu quelques réponses négatives et celle des éditions Leducs qui regroupent plusieurs pôles, dont un pôle « humour ». Comme la collection en question s’intitule Tut-Tut,  j’ai écrit un mot du genre : « Bonjour bonjour, je je me me présente présente…etc. » Ca les a fait rire. On m’a répondu que le projet était intéressant. Un mois après, j’ai relancé. L’éditrice m’a donné rendez-vous dans les locaux, j’y suis allé et l’affaire s’est faite. J’avais 100 phrases à écrire en plus pour pouvoir être édité. Ça me paraissait énorme et je n’étais pas sûr d’y parvenir. Finalement, le surlendemain, je les avais. J’étais sur ma lancée, je n’arrêtais pas d’en trouver. Du coup, il y a 400 phrases en tout.

Il n’y a pas eu de censure de la part de ton éditrice ?

Au contraire, je l’ai prévenu qu’il y avait certaines phrases pour le moins « tendancieuses » et elle a trouvé que c’était bien. J’arrive à 40 ans, j’ai toujours fait des choses alternatives, je ne me suis jamais soucié de choquer. Aujourd’hui j’évolue, je fais peut-être un peu plus de concessions. Par exemple, j’aurais préféré que mon livre s’appelle « Je ne comprends pas », l’éditrice a trouvé que son titre était plus vendeur. Je n’ai jamais voulu m’entourer, mais à partir du moment où je l’ai fait, je me suis dit qu’il fallait que je fasse confiance aux gens et que je sache déléguer un peu.

Pendant l'interview...

Tu viens de sortir un autre livre, Les perles du covoiturage.

Oui, c’est chez Fortuna Editions. J’ai envoyé des projets de création à cette maison basée en  Belgique. L’éditeur m’a répondu gentiment que ça ne les intéressait pas. J’ai regardé ce que je leur avais envoyé et j’ai réfléchi à quelque chose d’autre. Je faisais du covoiturage à l’époque et je demandais aux gens s’ils avaient vécu des histoires insolites. Tout de suite on m’a raconté des anecdotes hallucinantes. Cette nouvelle manière de voyager est la source de dérapages divers et variés et de perles plus délirantes les unes que les autres. J’ai compilé toutes ses histoires et j’ai proposé ça à l’éditeur. Il était étonné parce que sa maison était en train de réfléchir sur  ce même sujet. J’ai réussi à obtenir suffisamment de matière et nous avons signé.

Tu es dans un cheminement littéraire ?

Oui, mais je n’abandonne pas la musique. Je suis sur un projet solo en ce moment sous mon nom de chanteur, JNEB. Il y a aura treize titres et treize clips correspondants. C’est du « it yourself ». Seul mon compère de Mascarade,  JB participe. Il joue de la guitare mieux que  moi, alors, il m’a filé un coup de main. C’est un projet complètement artisanal, je ne fais pas de pressage industriel. Je vais faire un package moi-même, confectionné à la main.

Et Mascarade ?

Pour le moment, on se pose beaucoup de questions.

Après l'interview le 16 février 2017.

Depuis quatre ans, je suis invité à Pause Guitareà Albi (81), l'un des festivals les plus enthousiasmants de l'été (voici mes bilans de l’année dernièreet de 2015).

Comme je le répète depuis que j’écris sur ce festival, avec ses 950 bénévoles (mené par le couple Alain et Annie Navarro), ses 80 concerts dont la moitié sont gratuits, ses 7 scènes disséminées à travers Albi, ville classée à l’UNESCO, Pause Guitare est aujourd’hui le second festival du Sud-Ouest. Il est réellement porteur d’un projet humain et culturel très fort pour le territoire. C'est aussi un événement unique de par le nombre de personnes reçues, sa qualité artistique et ses conditions d'accueil, tout public confondu. Précisons que c'est l'association Arpèges et Trémolos, dirigé par Alain Navarro, qui organise cet événement.

Au programme du 4 au 9 juillet 2017 : ZZ Top, Renaud, Salvatore Adamo, Radio Elvis, Les Insus, M. Pokora, Christophe Maé, Olivia Ruiz, Soprano, Slimane,  L.E.J, Vincent Delerm, Cocoon, Art Mengo, Lo’Jo... La programmation se veut éclectique, proposant tantôt des artistes ayant marqué l’Histoire de la musique, tantôt de jeunes pousses prometteuses. Il se murmure que Mandor va en interviewer certains des deux catégories... 

Le festival, c’est du rock, de la pop... mais aussi de la chanson, car Pause Guitare, c’est aussi des "scènes découvertes" avec des artistes internationaux, où le Canada francophone est particulièrement mis en valeur! Accélérateur de talents, le festival albigeois travaille activement à l’émergence et à l’accompagnement de nouveaux artistes. Enfin, avec ses 4 scènes gratuites, dont 1 soirée dans les bars d’Albi et une programmation "hors-les-murs"Pause Guitare se veut être un événement populaire et accessible.

Hier, les festivités ont commencé par la traditionnelle soirée de «bars en bars» suivi dès aujourd’hui par le lancement du festival off et de la première soirée au Grand théâtre avec Adamo et Saratoga. À partir de jeudi et jusqu'à dimanche, place à la grande scène de Pratgraussals.

Le quotidien La Dépêche a récapitulé ce qui vous attend à partir d'aujourd’hui.

La place du Vigan au rythme du Off

A partir d’aujourd’hui mercredi et jusqu'au vendredi 7 au soir, place au festival off sur la place du Vigan et sur le Jardin National, avec trois scènes (Expérience Acadie, la Caravane du Vladkistan entièrement gratuite, et les amis du jour d'euf), des espaces enfants et danses. Un vrai moment de détente pour l'ensemble des Albigeois et pour tous ceux qui n'ont peut-être pas les moyens de se payer une place pour les concerts de Pratgraussals et du Grand théâtre.

Deux soirées au Grand théâtre

Mercredi et jeudi, il accueille deux soirées. Ce soir, c'est Adamo et Saratoga. Demain, place à Vincent Delerm et Art Mengo.

Les stars à Pratgraussals

Jeudi, on pourra écouter Féfé, Renaud et ZZ top. Vendredi, Christophe Maé, Olivia Ruiz, Soprano et Vlad.  Samedi, Slimane, LEJ, Vianney et M Pokora. Et enfin dimanche, Les Insus, Radio Elvis et Cocoon.

Les scènes « découvertes » à l'Athanor

Pause guitare laisse une place non négligeable à la découverte de nouveaux artistes. Ainsi, l'Athanor comme chaque année, fera une place de choix aux artistes québécois (le vendredi).

Le public pourra aussi découvrir les scènes découverte où chaque année, un vrai talent d'avenir sort du chapeau.

Pour acheter ses billets ou pour en savoir plus www.pauseguitare.net (05 63 60 55 90)

Réseau Ticketnet – E.Leclerc – Auchan – Cultura www.ticketmaster.fr – 0892 390 100.

Réseau FNAC – Géant – Carrefour www.fnac.com – 08 92 68 36 22.

Demain, avec Annie Navarro, nous parlerons du livre Pause Guitare, un air de famille. Le livre officiel du festival sortie cette année.  

Alors que Pause Guitarebat son plein, nous allons nous arrêter sur un livre qui retrace l’aventure de ce festival, Pause Guitare, un air de famille. Pour célébrer son vingtième anniversaire l’année dernière, Annie Soum-Navarro a retracé son histoire et fait revivre les grands moments de cette saga musicale et humaine dans un superbe ouvrage riche en iconographie. En mai dernier, lors du précédent Pic d’Or, tremplin dont elle est membre du jury avec son mari AlainNavarro, nous nous sommes isolés pour parler de cet ouvrage qui lui tient particulièrement à cœur.

Argumentaire :

Cet ouvrage fait revivre la grande aventure humaine qu’est le festival Pause Guitare en revenant sur son histoire et ses débuts, il y a 20 ans. A cette époque Annie Soum-Navarro n’aurait jamais pensé « être aujourd’hui à la tête d’un événement d’une aussi grande ampleur ».

Elle égrène au fil des pages ses souvenirs, ses rencontres avec des milliers d’artistes, connus ou moins connus. Elle raconte les débuts balbutiants, l’évolution d’un festival devenu aujourd’hui incontournable, les petites et grandes aventures qui ont marqué ces 20 ans.

En livrant cette tranche de vie, elle invite le lecteur à entrer dans l’univers de Pause Guitare, à revivre des moments forts avec ces grands noms du rock, de la pop ou de la chanson, comme Elton John, Francis Cabrel, Mika, Dionysos et bien d’autres artistes qui ont donné vie au festival. Elle donne aussi les clés du festival et rend hommage à tous les bénévoles qui permettent à cette grande fête musicale d’avoir lieu tous les étés au cœur de la cité d’Albi.

En fermant l’ouvrage, le lecteur n’aura qu’une envie: assister à Pause Guitare et partager le bonheur du public toujours plus nombreux et enthousiaste !

Interview :

Qui a eu l’idée d’écrire ce livre ?

En décembre 2015, Alain m’appelle dans son bureau. Il me dit qu’il aimerait que l’on fasse un livre pour les 20 ans du festival. Je lui réponds que je ne trouve pas l’idée originale et que je n’ai vraiment pas le temps de m’occuper de ça. Il m’indique alors qu’il a pris rendez-vous avec les éditions Privat et que ça n’engage à rien. Deux jours plus tard, on s’est retrouvé avec l’éditricee et quelques minutes plus tard, j’avais déjà la moitié du bouquin dans la tête. Je suis quelqu’un qui aime beaucoup écrire.

Ecrire un livre ne s’improvise pas.

J’écrivais beaucoup  pour moi. Des poèmes pour enfants. A 14 ans, j’ai même écrit un petit roman d’amour à l’eau de rose, un livre où l’héroïne cherche le prince charmant… bref,  tu vois le genre. Plus sérieusement, j’ai écrit pendant des années et des années pour exorciser ce que j’avais en moi, mais depuis la création de Pause Guitare il y a 20 ans, je n’écris plus.

Pourquoi as-tu dit non au départ ?

Parce que je savais la masse de travail que cela représentait. Je me doutais bien que ça allait être énorme. Je ne voyais pas quand je pouvais aménager du temps pour ce projet. J’avais la trouille quoi !

Et puis, à partir du moment où tu as commencé, tu as eu du mal à t’arrêter, je crois.

Le plus douloureux dans cette mission-là, c’est de terminer le livre. Je me suis éclaté pendant un an à écrire, traiter les photos, à mettre  tout ça en place, mais un jour, on m’a dit d’arrêter parce qu’il fallait le sortir pour le vendre. J’avais l’impression que c’était une part de moi qu’on arrachait. J’ai eu l’impression de laisser à la postérité quelque chose de très intime de moi. Ça ne me ressemble pas de me livrer, alors c’est déstabilisant.

Comment as-tu conçu le livre?

J’ai commencé l’histoire par moi qui me suis fait licencier, ce qui nous a incités à créer notre association, et j’ai raconté comment ça a évolué jusqu’à aujourd’hui. Je ne l’ai pas fait année par année, mais au fil des souvenirs qui me revenaient en tête.

En combien de jours as-tu écrit ce livre ?

En trois semaines, mais je n’ai fait que ça. Je me suis mise dans une bulle d’écriture. J’ai fermé mes écoutilles, je me suis aménagée un petit coin chez moi dans lequel j’ai travaillé de 6 heures à deux heures du matin. Parfois, je ne prenais même pas le temps de manger ou de fumer.

Tu as choisi les photos en fonction de l’écrit ?

Oui, tout à fait ! Il y avait énormément d’archives. On a de très bons photographes, bénévoles, mais professionnels, sauf que les deux premières années, on avait quasiment pas de photos. Au début, immortaliser les concerts et les artistes ne nous avaient pas effleuré l’esprit. Dans le livre, les plus anciennes photos sont touchantes parce qu’on sent que 20 ans ont passé. Pour les années récentes, le choix a été compliqué car il y a de très nombreuses photos d’excellentes qualités. J’ai beaucoup travaillé avec deux des photographes de l’équipe qui sont les responsables des photos sur le festival. Le bouquin est sorti en décembre 2016, on a passé une semaine à la maison en septembre. J’avais vraiment besoin de leur regard de pros sur l’image.

Est-ce que des artistes ont participé ?

Il y a uniquement Cali. Je voulais absolument qu’il fasse l’ouverture du livre. J’avais besoin de son petit texte pour démarrer.

Le titre du livre est : Pause Guitare, un air de famille. Pourquoi ?

Il y a 950 bénévoles, ce n’est pas rien. J’en ai d’ailleurs sollicité pour qu’ils me racontent des histoires. J’en ai reprises certaines. Ce livre, sans démagogie aucune, j’ai eu le sentiment de l’avoir écrit pour les bénévoles avant tout.

Alain t’a-t-il aidé ?

Un jour je relisais les vingtaines de pages que j’avais écrites, mais je trouvais ça vraiment nul. Au point que je voulais prévenir mon éditrice que j’arrêtais tout. Elle m’a demandé de lui envoyer ce que j’avais écrit pour qu’elle me fasse son retour très vite. Elle a laissé passer 10 jours avant de me rappeler. C’était 10 jours horribles. Alain tentait de me rassurer en me disant que j’écrivais bien. Un jour, j’ai reçu son mail et j’ai hurlé de joie. L’éditrice m’a répondu que c’est super bien écrit et qu’elle s’était régalée à lire tout ça. En plus, ça lui a donné envie d’aller au festival. J’avais l’impression d’avoir tout gagné. J’ai ressenti le besoin de lire mes textes à Alain. Il n’était pas très attentif et ça m’a vexé. Il me disait juste « c’est bon, c’est bien, de toute façon, tu écris bien… » J’avais besoin d’autre chose. C’est quand je l’ai fini  qu’il m’a avoué qu’il ne souhaitait pas intervenir car il savait que sinon il allait être trop chiant. Il avait conscience qu’il aurait pu bousiller mon travail. Par contre il m’a dit qu’il allait prendre le temps de le lire avec un grand bonheur.

Et ?

Il s’est régalé…

C’est bien d’avoir un objet qui concrétise 20 ans de votre vie.

Symboliquement, oui, c’est très joli… et ça nous rend immortel (rires).

Le livre est en vente notamment auprès d’Arpèges & Trémolos – 05 63 60 55 90 et de la librairie Privat: www.editions-privat.com ( Toulouse ).

En attendant, le festival se poursuit...

(Photo : Pierre Wetzel)

A Pause Guitare, il y a une scène « découvertes ». Sans cesse à la recherche de la « perle rare », Arpèges & Trémolos milite et agit de façon concrète depuis de nombreuses années en faveur de la découverte dans le domaine de la chanson. Membre actif de plusieurs réseaux professionnels à échelles différentes, et de portées différentes, l’association effectue aussi un travail auprès des professionnels de la musique. Le tremplin « Découverte Chanson » est organisé à chaque édition du festival, principalement par Dominique Janin. Le jury se compose de professionnels du spectacle et du grand public, sensibilisé aux enjeux de la scène française actuelle. Deux raisons à cette exposition médiatique pour eux : la présence de professionnels du spectacle sur le tremplin « Jeunes Talents », et l’adhésion du public au spectacle proposé.

En ce samedi 8 juillet 2017, sur la scène de l’Athanor, j’ai été ravi de retrouver quelques artistes que je connaissais,Clio et Makja et d’autres que je découvrais comme Les Idiots, Dalton Télégramme et Wallace.

C’est ce groupe composé de R1 Wallace au chant et à la guitare (Les Hurlements d'Léo), de Bertille Fraisse (Kebous, Daguerre, The Neighborhood) (déjà mandorisée ici) au violon et au chant, de Nicolas Grosso (Zazous Zélés) aux guitares et de Lois Eichelbrenner (The Neighborhood) à la basse que j’ai choisi de mettre en avant. A l’issue de leur prestation, R1 Wallace et Bertille Fraisse sont venus à ma rencontre.

(Photo : Eric Morere)

Argumentaire officiel (mais écourtée) par Esteban di Marco :

Si pour certains la vie est, ou n’est pas un petit grand fleuve tranquille, la vie de R1 Wallace (Erwan Naour pour l'état civil) est un long canal plein d’écluses…

Après s’être brûlé sur les planches de très nombreuses scènes, le cofondateur du groupe Les Hurlements d’Léo nous revient toujours avec le poing fermé, mais cette fois-ci sur un médiator. Après X années de concerts en France, en Europe et dans un monde presque entier, il est de retour avec un nouveau projet baptisé Wallace.
Sa rencontre avec Bertille Fraisse lors d'une collaboration musicale en 2013 sera déterminante
dans l'élaboration de ce projet. Celle-ci l'encourage dans sa volonté de monter un répertoire plus personnel ou ses mots et sa voix trouveront en écho une ambiance filiale de musique de chambre. Pour cela, elle lui présente son frangin de conservatoire Nicolas Grosso, brillant guitariste nourri à Brian Setzer et tenant Django Reinhardt pour Maître. R1 leur amène, à eux instrumentistes hors pairs, sa poésie brute de coffre. Et le mariage est réussi. Un grain de voix qui ferait passer le papier de verre et la toile émeri pour du velours ou de la soie, tout en laissant une place à chacun, chacune de ces textures.
« Je supplie la lame qu’elle soit bien tranchante cette fois... »
Ce premier album de Wallace, commence comme finit l’Etranger de Camus… Camus l’homme de la révolte et de l’absurde. Un album de chanson française puisqu’on y parle la langue de Rabelais, « Mon cul » ou celle de Prévert« C’était toi » et bien d’autres. De Villonà Brassens... De la chanson française avec une couleur sonore inimitable, quelques grammes de rage, de tendresse, du violon, des guitares manouches ou énervées, des synthétiseurs, Wallace a de la gueule et du chien. Vous prendrez du coup, ce premier opus en plein museau… Wallace ne rêve que d’une seule chose, vous embarquer avec eux.

Interview : 

Jouer dans ces conditions, juste 30 minutes, c’est agréable ?

R1 Wallace : On a fait le mieux que l’on pouvait par rapport à ce que l’on sait faire. J’ai l’impression qu’on a rempli notre mission. On a pris beaucoup de plaisir en tout cas et j’espère qu’on a réussi à en donner un peu.

Bertille Fraisse : Et le public était hyper réceptif. Nous l’avons ressenti.

Erwan, ta carrière avec Les Hurlements de Léo a débuté en 1996. Ce n’est pas bizarre de se présenter devant un jury de pros après plus de 20 ans de concerts et de succès ?

R1 : Il est normal que les gens ne trouvent pas acquis tout ce que je fais parce que je viens d’un groupe qui a eu une vie et qui a beaucoup tourné. Se remettre de temps en temps en question fait partie du jeu. Wallace est différent de mon travail avec Les Hurlement de Léo, il faut donc que je reparte au charbon pour convaincre ceux qui m’écoutent. Je trouve cela naturel.

Bertille : On a tous quelques heures de vol dans le métier, mais ce que l’on joue est tout neuf. C’est comme si nous repartions à zéro, en tout cas en terme de notoriété.

R1 : Wallace a pris une direction qu’aucun de nous quatre n’avaient emprunté. On a refait des bistrots, des petites salles, comme quand on a débuté. Repartir à la base, c’était important pour moi.

"Le sang des baleines".

Les Hurlements de Léo, tu en avais marre ?

R1 : J’ai du mal à en parler de manière simple, alors que la situation l’est. J’avais juste envie d’autre chose. J’aime mes copains des Hurlements, mais il fallait que j’aille voir ailleurs. Et cela faisait longtemps que j’en avais envie. Il a fallu que je rencontre Bertille sur une collaboration musicale pour qu’elle me donne l’idée de tenter une nouvelle aventure. Elle a été la petite étincelle qui m’a permis de switcher.

L’âge aidant, on a envie de varier les plaisirs, non ?

R1 : Mais, tu ne crois pas si bien dire. Cette  nouvelle aventure correspond à une espèce de crise de la quarantaine, qu’elle soit professionnelle ou dans ma vie perso. J’avais besoin de tout repeindre en bleu.

Wallace à Pause Guitare le 8 juillet 2017 lors de la scène "découverte".

(Photo : Marylène Eytier - Aubondeclic)

Bertille, tu te sens bien dans ce groupe ?

Bertille : Oui, très bien. Avec Erwan, on commence à bien se connaître, Nico, le guitariste, est un ami de longue date, nous sommes tous les deux originaires de Sète.

R1 : Pour que je fasse sa connaissance, Bertille a organisé un petit apéro. Au bout de 10 minutes, nous nous sommes donnés rendez-vous pour jouer ensemble.

Bertille : Wallace, c’est très « famille ».

R1 : Les Hurlements, c’était génial, mais on était une bande de fous, une équipe de foot survoltée, une meute incontrôlable. On a commencé, nous avions 22 ans. Nous n’avons pas toujours eu une bonne réputation, mais c’était justifié. Nous nous sommes comportés, et moi le premier, un peu comme des enfants gâtés. Ça a très bien marché, nous jouions partout, il y avait du monde à tous nos concerts. Il arrivait que l’on en fasse 120 en une année. Bref, ça a fait chaud dans la tête, du coup je me suis permis des choses dont je ne suis pas fier. Je peux dire qu’il m’est arrivé de me perdre. Aujourd’hui, je n’envisage plus la musique comme une équipe de foot, mais comme une famille. En famille, on s’engueule, mais c’est quand même la famille.

"C'était toi"

La sagesse est en toi, Erwan?

R1 : Non. J’y travaille.

Il faut garder un grain de folie ?

Oui. Il faut rester fou. La sagesse est un long chemin, pas un état.  

Une présence féminine, ça apaise un groupe ?

R1 : Pour moi, ça ne change rien, je crois.

Bertille : Peut-être que cela apaise la musique. Les femmes et les hommes n’envisagent pas tout à fait l’émotion de la même façon, du coup, forcément dans le jeu et la créativité, c’est un peu différent.

R1 : En terme de sensibilité, Nico, à la guitare, à lui aussi une sensibilité féminine. Il est capable également de jouer comme un bourrin, c’est ça qui est génial chez lui. Il est magnifique dans les deux cas. Pour en revenir à Bertille, elle aussi sait être rockeuse et être carrément mâle. Je n’ai pas eu l’occasion de le dire, mais je considère que je suis extrêmement chanceux d’avoir ces personnes à mes côtés. On parle le même langage, eux avec leur instrument et moi avec mes mots. Nous allons tous dans la même direction et c’est un immense plaisir.

Pendant l'interview...

(Photo : Jérémie Boulon)

J’ai l’impression qu’avec Wallace, tu ne chantes pas de la même façon qu’avec les Hurlements de Léo.

R1 : Clairement pas. C’est parce que je bois moins (rires). Non, quand tu joues à huit avec une section cuivre et un batteur de rock, il faut un peu brailler. Aujourd’hui, j’assume mieux de chanter calmement. Je n’avais pas compris que l’on pouvait faire passer des messages très forts en chantant plus doucement. Pour le deuxième album j’ai bien l’intention de proposer vocalement autre chose encore.

Déjà un deuxième album ?

Bertille : C’est marrant parce qu’avant de commencer l’enregistrement du premier album, Erwan nous a prévenu qu’on allait n’en faire qu’un. Il n’était pas question de faire une carrière « Wallace ». Comme l’aventure est géniale, que les concerts s’enchainement et que cela se passe bien, naturellement, on se projette sur un deuxième album… à l’automne 2018.

Avec ton comparse de toujours, Laurent Kebous (mandorisés là), tout va bien ?

R1 : Oui. Si j’ai un frangin dans le métier, c’est bien lui. Nous nous sommes rencontrés à l’âge de 10 ans, on a monté Les Hurlements ensemble, on a tout connu. C’est vraiment lui qui a tenu la baraque pendant toutes ces années, j’ai beaucoup d’estime et d’affection pour lui. On avait juste besoin de prendre un peu d’air, mais tout va bien entre nous.

Avec Bertille Fraisse et R1 Wallace à l'issue de l'interview, le 8 juillet 2017 à Albi.

(Photo : Jérémie Boulon)

Nirman, bercé au jazz et à la poésie russe, sort son premier EP, Animal, aux teintes acid-jazz, groovy et électro. Ce musicien de 32 ans fait partie de cette génération douée qui réinvente la tradition de la chanson française en la saupoudrant d’influences glanées au fil du temps et des frontières... et d’une poésie lunaire.

Nirman amène ici son propre univers, ses propres émotions, ses propres interrogations.

Le 1^er juillet dernier, il est venu à l’agence pour évoquer ce premier EP (que vous pouvez écouter en intégralité là).

Argumentaire officielle :

On le sait bien : les meilleures recettes sont celles qui s'inspirent d'un savoir-faire hérité d'une tradition mûrie sur des générations, auquel on rajoute sa patte personnelle, son ingrédient secret.
Nirman lui aussi le sait : entouré des talentueux Guillaume Farley, bassiste accompagnant entre autre Matthieu Chedid et Michel Fugain, et de Romain Berguin, assistant d’Éric Serra, ce jeune musicien bercé au jazz et à la poésie russe fait partie de cette génération géniale qui vient réinventer la tradition de la chanson française en la saupoudrant d'influences glanées eu fil des âges et des frontières. Un pied dans une douce nostalgie slave héritée de son père, un autre dans une flaque de couleurs pop électro, son premier album, Animal nous entraîne dans un monde surprenant, dans lequel on glisse avec délice d'influences électroplanantes survolées par la voix aérienne de Nirman.
Jeune musicien un peu lunaire, Nirman réussit avec cet album à créer un animal multi-facettes dont la saveur fond dans la bouche.
Le sens du perfectionnisme et de la précision transpire sur cet album aux morceaux maîtrisés jusqu'au bout des croches. Au fur et à mesure que l' « Animal » se révèle, la technicité s'allie avec la simplicité pour accoucher d'un album d'une très grande classe, comme dans un
restaurant nouvelle cuisine qui réinvente des plats de tradition pour en faire des œuvres d'une délicate beauté aux saveurs somptueuses.

Interview :

Ton père, Léonid Nirman, n’est pas pour rien dans ton intérêt pour la musique.

C’est certain. Il avait une certaine notoriété en Russie en tant que chanteur et musicien. Dans les années 70, dans ce pays, il y avait une mode, c’était les bardes… lui en était un. Il interprétait des chansons poétiques et engagées en cachette dans les caves de Saint-Pétersbourg. Quand il est arrivé en France, il a arrêté ce genre de chansons. Il a composé, notamment des musiques de films. C’est lui qui m’a incité à faire de la musique. J’ai baigné dedans depuis tout petit. J’ai même fait le conservatoire.

Avec ce disque, tu as eu envie de l’impressionner ?

J’ai plutôt eu envie de faire le disque que mon père n’a jamais pu faire. En arrivant en France, il a tiré une croix sur sa carrière de chanteur puisqu’il ne parlait et chantait uniquement Russe. Ça l’a beaucoup attristé. J’ai vu cette tristesse au quotidien et ça m’a nourri inconsciemment. Un jour, à 13 ans, j’ai pris la décision de chanter comme papa. Tout ce que je fais, c’est pour lui, c’est pour faire comme lui.

Tu n’es pas un débutant. Tu chantes depuis 10 ans déjà.

Je viens de la musique classique. J’étais instrumentiste, je jouais de la clarinette. Ensuite, j’ai fait de la chanson jazz. J’ai tenté une carrrière sous le nom de Dimitri Nirman, mais ça ne marchait pas. Mon répertoire, pour le jazz, c’était de la chanson, pour la chanson, c’était trop jazz, du coup la sauce n’a pas pris. Guillaume Farley, artiste talentueux qui a réalisé cet EP, m’a dit : « On rend le costume de chanteur de jazz, il est trop grand pour toi ». J’aurais pu me vexer, mais j’ai émis un ouf de soulagement. Ca a débloqué beaucoup de choses. J’ai décidé de faire ce projet-là qui correspond mieux à mes goûts d’aujourd’hui. C’est la première fois que je suis content du résultat.

Vous avez pris du temps pour réaliser ce disque, non ?

Quatre ans de conception des chansons et une année de plus pour trouver les financements.

Ton premier EP sous le nom de Nirman est sacrément bien produit, en tout cas.

Quand j’ai commencé à monter ce projet, je suis parti de zéro. Je n’avais pas un euro en poche, pas un contact, rien de rien. J’étais à deux doigts de raccrocher quand on a décidé de monter des dossiers de subventions. Très sincèrement, j’ai obtenu pas mal d’argent. On a beaucoup de chance en France, il y a de nombreux organismes qui aident les artistes. En tout, j’ai obtenu 62 000 euros. J’ai pu faire mon album dans de confortables conditions, m’entourer de personnes assez prestigieuses dans le métier qui, après, m’ont emmené du réseau.

Animal est un EP de 4 chansons. C’est une mise en bouche ?

Au début, je voulais faire un album de 8 titres. Quand j’ai rencontré Vicken Sayrin, mon attaché de presse, il m’a dit que c’était plus intelligent de commencer par un EP. La suite, ce sera un album, comprenant ces 4 premiers titres, les 4 autres existants et d’autres supplémentaires, dont un duo. Il devrait sortir en janvier 2018.

Pour la composition et l’écriture, tu te fais aider ?

Dans les mélodies, je tournais beaucoup en rond, dans mes textes, j’évoquais toujours le même sujet : courir après quelque chose, l’envie d’avancer dans la musique. Du coup, pour les textes, Guillaume Farley m’a aidé à sortir de mes habitudes. En me nourrissant des autres, j’ai réussi à faire des choses qui me ressemblent complètement.

(Photo : Mandor)

Tu as joué au Café de la Danse hier soir. Là aussi, pour un artiste en développement, c’est un sacré risque.  

J’avais le choix. Soit je ne prenais pas de risques dans une petite salle parisienne de 100 places maximum, soit j’allais au bout du truc, sachant qu’on a obtenu des aides pour ça. On a tenté un coup de poker en faisant une salle importante. J’ai pris la jauge à 250 places assises, pas celle à 500 places, cela aurait été complètement illusoire. On a fait au mieux pour inciter les gens à venir. Tu présentes ton projet, personne ne t’attend, ni même ne te connais. Maintenant, certains professionnels peuvent mettre un visage sur moi.

Au mois de mai dernier, tu as participé aux Rencontres d’Astaffort. Pourquoi ?

Je rêvais de participer à cette aventure. Ce qui est bien, c’est que tu es dans une bulle musicale. Tu es obligé de te livrer totalement à des inconnus pour pouvoir avancer dans ta chanson, du coup, les autres artistes deviennent des amis proches. C’est dingue ! Pour moi, c’était une étape à atteindre. Il y a un avant et un après Astaffort.

A Astaffort en mai 2017, Nirman et ses copains de promo. 

Et croiser Cabrel ?

J’étais très intimidé d’être en face de quelqu’un qui est un monstre de la chanson française comme il y en a peu. En termes de créativité et de longévité, sa carrière est impressionnante. Pourtant, quand il est avec toi, il est réservé, timide, discret, gentil.

Tu te sens appartenir à une famille dans la chanson française ?

Non, mais j’aime beaucoup Benjamin Biolay. Alain Chamfort aussi, dont on dit que ma voix peut faire penser à la sienne. C’est involontaire.

Je crois qu’il a écouté la chanson « Animal ».

Oui, en effet, par le biais d’un ami parolier de Marc Lavoine qui lui a envoyé. Il lui a répondu par mail : « ça me rappelle mes débuts ! »

Tu es confiant pour l’avenir ?

Déjà, je constate que le travail paye. Il ne faut pas lâcher. J’ai signé avec un vrai tourneur il y a un mois, je fais les Francos de la Rochelle le 14 juillet dans  le cadre du Rock In Loft. Les choses arrivent peu à peu. Je suis confiant, mais je reste prudent. Il faut que je trouve un label à présent.

Le clip de "Azzam David", réalisé par Stéphane Neville.

« Azzam David » est une chanson très touchante, surtout dans le contexte actuel. Une histoire forte entre deux amis inséparables mais de confessions différentes.

C’est une chanson qui touche beaucoup de gens parce qu’elle parle de l’amitié et le fait d’avoir un ami sur lequel compter, malgré les différences.

« Les bouteilles à la mer » me semble une chanson très autobiographique?

C’est celle qui l’est le plus, en effet. J’ai traversé une période où je n’allais pas forcément très bien, du coup, j’ai écrit cette chanson. Quand on fait de la musique, on est seul et ce n’est pas facile d’apprivoiser sa solitude. Je n’y arrivais pas. Aujourd’hui, enfin, j’y suis parvenu. Cette chanson, c’était un appel à l’aide qui n’en était pas vraiment un.

Un artiste, c’est un homme plus sensible que les autres ?

Pas forcément, mais un artiste à des attentes que d’autres n’ont pas. Un artiste traine quelque chose qu’il a du mal à porter lui-même. Il a besoin d’attirer la lumière sur lui, il a envie d’exister et à même, quelque part, un côté revanchard sur la vie. Un artiste se sent oublier et il a besoin de sortir de l’oubli.

Une chanson, ça part de quoi chez toi ?

D’une émotion, d’un sentiment, d’un ou deux mots qui vont être déposés sur les premières notes.

Pendant l'interview...

Tu écris facilement ?

Oui, d’autant que j’ai trouvé mon créneau horaire pour le faire. Entre 3 et 7 heures du matin. C’est un peu un no man’s land où il ne peut rien se passer et où personne ne va te déranger. J’ai découvert cet horaire parce que j’ai un petit garçon qui a 7 mois qui ne fait pas toujours ses nuits.

Tu t’obliges à travailler tous les jours ?

J’essaie. C’est comme un pianiste qui doit faire ses gammes. Il faut s’entrainer, travailler sa voix et sa plume sans cesse pour progresser.

Ta musique, c’est de la pop ?

J’appelle ça de la pop hybride electro organique. Pour raccourcir et faire précis, c’est de la chanson atmosphérique. C’est une musique qui peut-être entrainante, riche, aérée avec une voix qui se pose, qui survole.

Après l'interview, le 1er juillet 2017.

Demain, le 14 juillet, il sera là:

(Photo : Cédrick Nöt)

On ne meurt pas à 35 ans.

Si, en fait.

Parfois bêtement.

Barbara Weldens.

Morte sur scène hier soir, à priori électrocutée, alors qu’elle donnait un concert dans l’église des cordonniers à Gourdon, dans le Lot, dans le cadre du Festival Léo Ferré.

Pourquoi j’ai eu une peine immense en apprenant la mort de Barbara Weldens ce matin.

Je ne la connaissais pas personnellement. Elle n’était pas une amie.

Juste son talent m’impressionnait. Juste, elle représentait la vie. Juste, elle me semblait puissante et invincible. Une chanteuse hors du temps au talent incommensurable. La seule femme qui racontait des histoires de femmes et qui me filait des frissons.

Uppercut dans le cœur et dans l'âme.

Toutes mes pensées vont vers ses proches, sa famille et Dany Lapointe, sa manageuse et grande amie. Je ne peux pas mesurer la souffrance qu'ils endurent aujourd'hui...

Barbara Weldens avait sorti son premier album en février, Le grand H de l’homme, dont voici l’argumentaire signé Patrice Demailly. Ce dernier a su trouver les mots les plus justes pour la décrire :

« Une tornade, une énergie gargantuesque, une nature. C’est une guerrière du live, physique et généreuse, dont l’instinct l’a immédiatement fait trouver la synthèse parfaite entre attitude punk, chaleur fédératrice et instantanéité émotionnelle.

Il y a à la fois du lâcher prise et du contrôle, de la sauvagerie et de la sensualité.

Le grand H de l’homme– titre à l’ironie mordante – sonne comme une déclaration d’indépendance.

Barbara Weldens installe une fièvre qui n’appartient qu’à elle, jongle avec les extrêmes, glisse des humeurs bipolaires, joue les voltigeuses vocales.

Il est donc question de folie engendrée par la frustration de l’absence, d’amour jusqu’au-boutiste, de complexe plastique, de bilan sans concession, d’idéal possible, d’une découverte foudroyante, de pétage de plomb en roue libre…encore une facette vibrante d’une artiste qui n’a pas fini de jouir librement d’elle-même. »

Aujourd'hui, je ressors mes archives la concernant. J'ai envie de la revoir vivante, exaltée, belle, dans l'exercice de son métier où elle était éblouissante. 

J’ai découvert cette chanteuse à Albi au Tremplin « Découverte Chanson » de Pause Guitare en 2015.

Elle l’a remporté. Brillamment.

Voici quelques souvenirs de sa présence à ce tremplin.

(Photo : Lilian Ginet)

(Photo : Michel Gallas pour Hexagone)

(Photo : Michel Gallas pour Hexagone)

(Photo : Lilian Ginet)

Barbara Weldens avec Denis K et la chanteuse K!

Dominique Janin, organisatrice de ce tremplin "découverte chanson" et Alain Navarro (le grand manitou de Pause Guitare) avec Barbara Weldens, Denis K. et K! lors de la proclamation des résultats.

Interview de Barbara Weldens (le samedi 11 juillet 2015, après l'annonce des lauréats):

Vous avez gagné le tremplin des découvertes Pause Guitare, alors que vous détestez ce genre de concours. Pourquoi êtes-vous venue alors ?

Parce que j’ai fait confiance à ma manageuse, Dany Lapointe. C’est une femme « entourante ». Cela fait plusieurs fois qu’elle me met sur la bonne voie. Ce tremplin me semble fait pour donner à chacun sa chance et pas pour casser les artistes. Chacun à ses talents et chacun repart avec sa dose de reconnaissance.

Vous avez rencontré K et je crois savoir que cela s’est bien passé.

Je trouve que ce qu’elle fait est énorme. Je suis contente qu’elle puisse revenir l’année prochaine ici en concert véritable, comme moi. Je ne sais pas encore ce qui nous relie, mais nous sommes reliées, c’est sûr.

Moi, je ne vous connaissais pas du tout, j’avoue que vous m’avez bluffé.

Je viens d’arriver sur le marché, donc c’est tout à fait normal (rires).

Pendant l'interview...

La question idiote : vous êtes heureuse d’avoir gagné ce tremplin ?     

Ce n’est pas d’être la préférée qui fait plaisir, c’est la reconnaissance. Aujourd’hui, je me dis que mon travail a été reconnu. Ça ne m’est jamais arrivé officiellement.

Que pensez-vous de l’accueil de Pause Guitare ?

Nous sommes reçus comme des stars. Je n’ai pas l’habitude de ça et j’avoue que ça me touche au plus haut point. Tout est prévu pour que l’on se sente bien. Tout est très bien organisé. Les régisseurs sont juste des petits génies.

Vous n’avez pas encore de disque, je crois.

J’ai juste un EP. Pour le moment, on peaufine ce que l’on veut donner sur scène. L’enregistrement est prévu pour l’année prochaine.

Après l'interview, en compagnie de la chanteuse K! Une forte amitié est née entre elles ce jour-là.

Je l’ai revu l’année suivante puisqu’elle a participé au Pic d’Or. Elle en fut la lauréate. A l’unanimité, le jury de ce tremplin a décidé de faire de ce joyau de la chanson le Pic d’Or 2016. Mais, ce même soir du 21 mai, elle a tout raflé. C’est elle qui a remporté le prix du public, le prix du Magazine FrancoFans et le prix de la créativité de l'Académie Charles Cros.

Voici quelques photos…

Sur scène:

(Photo : Cedrick Nöt)

(Photo : Cedrick Nöt)

(Photo : Cedrick Nöt)

(Photo : Cedrick Nöt)

(Photo : Cedrick Nöt)

(Photo : Cedrick Nöt)

(Photo : Cedrick Nöt)

(Photo : Cedrick Nöt)

(Photo : Cedrick Nöt)

Lors des différentes remises de prix: 

Le prix de la créativité de l'Académie Charles Cros remis par Jean-Marc Vaudagne.

(Photo : Cedrick Nöt)

(Photo : Cedrick Nöt)

(Photo : Cedrick Nöt)

(Photo : Cedrick Nöt)

Le prix du public, décerné par le maire de Tarbes, Gérard Trémège et la présidente du Pic d'Or, Corinne Labat.

(Photo : Cedrick Nöt)

(Photo : Cedrick Nöt)

(Photo : Cedrick Nöt)

Le prix du Magazine FrancoFans, remis par Stéphanie Berrebi.

(Photo : Cedrick Nöt)

(Photo : Cedrick Nöt)

(Photo : Cedrick Nöt)

Enfin, le président du jury du Pic d'Or, Arnold Turboust annonce, le Pic d'Or 2016.

(Photo : Cedrick Nöt)

(Photo : Cedrick Nöt)

(Photo : Cedrick Nöt)

(Photo : Cedrick Nöt)

Après la remise des prix, le photographe officiel du Pic d'Or, Cedrick Nöt, a "shooté"Barbara devant le Théâtre des Nouveautés.

(Photos : Cedrick Nöt)

(Cette photo deviendra d'ailleurs la pochette de son unique album.)

Un souvenir avec Olivier Bas, au pot de fin du Pic d'Or 2016.

(Photo : Manuel Tondon)

Cette même année, Thierry Cadet, l'un des membres du Pic d'Or et éminent journaliste musical, l'a interviewé à la fin de ce week-end musical pour son site Horscène.

Elle est revenue à Tarbes le 20 mai 2017 pour chanter au Pic d’Or, lors des délibérations du jury (comme il est de coutume de la part du lauréat de l'année précédente). Toujours aussi magnifique, talentueuse, disponible et sympathique.

(Photo : Cedrick Nöt)

(Photo : Cedrick Nöt)

Voici quelques derniers clichés.

Le 24 Novembre 2016, j’ai assisté à la proclamation des Grands Prix 2016 de l’Académie Charles Crosà la Maison de la Radio. Elle avait reçu le prix « Révélation Scène »…

(Photo : Jean-Marc Vaudagne)

(Photo : Pierre Majek)

(Photo : Caroline Paux)

(Photo : Caroline Paux)

(Photo : Pierre Majek)

(Photo : Pierre Majek)

Barbara Hammadi (pianiste), Barbara Weldens et Marc Pfeiffer (président de la Fédération des Festivals de chanson francophone) 

(Photo : Caroline Paux)

Après la cérémonie avec à droite, Dany Lapointe, sa manageuse, et Corinne Labat, présidente du Pic d'Or, venue la féliciter. 

Barbara Weldens, tu es morte sur scène. J'entends/je lis : "quelle est la meilleure  mort pour une artiste?"

Aucune. Il n'y a pas de belle mort. C'est nul. C'est trop tôt. Tu avais la vie devant toi pour tout défoncer.

Tous ceux qui t'ont croisé (de près, de loin) sont tous effondrés. 

Alors, ta mort, elle nous incitera à vouloir vivre encore plus vite, encore plus fort. En ton hommage.

On ne t’oubliera pas. 

"Je ne veux pas de ton amour", extrait de l'album "le grand H de l'homme".
Avec Barbara Weldens, Barbara Hammadi et Marion Diaques
Captation réalisé au Théâtre de Pierre (34).

"A mes flancs" extrait de l'album "le grand H de l'homme".
Avec Barbara Weldens, Barbara Hammadi et Marion Diaques
Captation réalisée au Théâtre de Pierre (34).

Filmé pendant les balances du Printival Boby Lapointe à Pézenas (34), le 15/04/15 (Foyer des Campagnes). Extrait de l'album "Le Grand H de l'homme".

Tarbes Chante est un concours dechanteurs amateurs, organisé chaque été par Tarbes Animations (le Comité des Fêtes et des Animations de la ville de Tarbes) et Chloé Production.

Cela fait la deuxième année consécutive que je suis juré de cette manifestation musicale. J’ai accepté de faire partie du jury parce que découvrir de nouveaux artistes est ma passion (d’où mes participations à de nombreux tremplins). J’ai toujours l’espoir de découvrir la perle rare, même dans les concours d’amateurs.

En jeu pour les candidats, une journée d’enregistrement dans un studio professionnel. Pour les plus jeunes, c’est chanter devant un vrai public et des professionnels qui était la motivation principale.

Présentation du jury (de gauche à droite) :

Éric Barbé,  chargé de casting chez Freemantle Media pour l'émission La France a un incroyable talent, Corinne Labat, présidente du Pic d’Or, bibi et Corinne Daunay, ancienne attachée de presse de très nombreux artistes français et internationaux.

(Photo plus haut : 3 membres du jury et les deux animateurs...)

(Photo : Kersidal Pix)

Cette quatrième édition est animée comme toujours par l'impeccable et dynamique duo Anthony Gouveia et David Chaze de Chloé Productions. Franchement,  tant au niveau de l'organisation, de l'animation et du spectacle, je donne un 20/20. C'est pro comme rarement.

Les participants ont entre 9 et 56 ans. Mais avant d'arriver sous la Halle Marcadieu, les concurrents ont dû franchir deux étapes. Tarbes Animations et Cloé Production ayant lancé la 4e saison sur internet, les chanteurs intéressés se sont inscrits. Ils ont été conviés jeudi dernier à l'Office de Tourisme. Une trentaine de concurrents s'est succédé pour interpréter une ou deux chansons. Il a fallu qu'ils montrent l'étendue de leur talent en cinq minutes (le meilleur de leur voix et de leur présence) pour faire partie des 10 concurrents retenus. Était exigée  l'interprétation d'une chanson en français issue d'un répertoire connu.

Voici quelques candidats, juste avant  le show :

Globalement, le niveau vocal était de bonne facture, il y en avait même qui étaient assez impressionnants. Mais la peur tétanisait pas mal ces jeunes artistes en herbe. Ils ne parvenaient pas à se lâcher complètement. Pour la majeure partie d'entre eux, c'était la première fois qu'ils se produisaient sur une grande scène, donc, cela était compréhensible.

Voici celle qui ouvre le bal, si je puis dire, Marine. Très belle voix, surtout dans un registre à la Patricia Kaas.

(Photo : Kersidal Pix)

Puis, est arrivée la benjamine du groupe, Zoé, âgée de 9 ans seulement. La vie est devant elle pour parfaire son art. 

(Photo  : Kersidal Pix)

Vient ensuite Virginie. Voix magnifique, mais problèmes de mémoire. Peu (pas) préparée à ce concours. C'est dommage, car elle a du potentiel...

(Photo : Kersidal Pix)

Anthony, l'un des deux animateurs, présente une jeune fille de 14 ans, Vicky. C'est elle mon coup de cœur. Très belle performance vocale et prestation scénique formidable. Ce petit bout de femme est complètement habitée. J'ose espérer qu'elle fera tout pour aller loin.

(Photo : Kersidal Pix)

C'est au tour de Laurie. La seule des candidates à avoir demander des conseils aux membres du jury à l'issue du concours. Elle semble déterminée à travailler pour progresser... 

(Photo : Kersidal Pix)

...et la jeune femme est venue avec deux guitaristes pour une chanson en live complet. C'était appréciable.

C'est la première fois que cela arrive à Tarbes Chante, le papa d'une candidate a lui aussi participé. Philippe, 56 ans. Il ne les fait pas. Excellente prestation, même si on a très bien compris que la chanson est pour lui un hobby. 

(Photo : Kersidal Pix)

Clothilde, interprétation très sensible... et en attente d'un heureux événement.

Lena, elle, est arrivée détendue, sans le moindre trac et a chanté comme si de rien n'était. Voix intéressante, mais elle manquait d'intensité. 

(Photo : service communication de la ville de Tarbes)

(Photo : Kersidal Pix)

L'avant-dernière candidate s'appelle Manon. Belle prestance. On sent qu'elle aime être sur scène. Il lui manque un peu d'assurance.

L'ultime concurrent est Anthony. Un habitué des concours. Il a mis tout le monde d'accord dès les premières secondes de prestation. Niveau supérieur... 

(Photo : Kersidal Pix)

(Photo : Kersidal Pix)

Chaque artiste a chanté deux chansons et a conclu sa prestation en participant à une chanson collective. En l’occurrence, "Cette année-là" de Claude M François Pokora.

A présent, David et Anthony intiment l'ordre au jury d'aller délibérer.

(Photo : Kersidal Pix)

Eric Barbé, Corinne Labat, Corinne Daunay (qui prend cette magnifique photo) et moi décidons d'obtempérer à cette requête. Les évidences sont là, nous sommes tous d'accord, donc, ça va aller vite.

Pendant les délibérations, le public a pu assister à la prestation de Val Barzu, candidat de l'année précédente. Il a mis le feu. 

(Photo : Kersidal Pix)

(Photo : Kersidal Pix)

Les artistes remontent sur scène, ainsi que quelques membres de Tarbes Animations pour écouter le verdict...

... et c'est Eric Barbé qui annonce le nom du lauréat.

C'est Anthony!

(Photo : service communication de la ville de Tarbes)

Corinne Donnay et moi sous les sunlights des tropiques!

Anthony est félicité par les autres candidats. Bon esprit!

Le gagnant vient remercier le jury. Bon esprit (bis).

(Photo : Kerdisal Pix)

Une nouvelle fois, bravo à Anthony Sanz, qui pose ici avec son trophée.

(Photo : Kerdisal Pix)

Photo finale avec les artistes, le président de Tarbes Animations, Frédéric Montessuy, le directeur de l'Office de Tourisme de Tarbes, Michel Garnier, et les deux animateurs de Chloé Production, Anthony Gouveia et David Chaze. 

(Photo : Yann Orhan)

La vie est difficile mais il faut garder espoir. Il faut lutter contre la douleur et la peine, et réagir.  Ne pas se laisser aller à un quelconque abattement. Rester vivant en restant soi-même… telle est la philosophie de vie de Roberdam et le leitmotiv des 12 titres « pop » de l’albumJe rêve donc je suis. Dynamiques et débordantes de vie, ses chansons racontant le désir, l’amour, les petits soucis ou bonheurs du quotidien, sont enthousiasmantes. Elles font du bien, même. Mélancolique, mais optimiste, Roberdam nous propose de la bonne chanson française, moderne et efficace. De la chanson qu’on aimerait entendre plus souvent en 2017.

Le 9 juin dernier, nous nous sommes donné rendez-vous en terrasse d’un bar parisien pour une première mandorisation.

Argumentaire officiel :

Il rêvait d’être acteur. Mais le sort en a décidé autrement.  Roberdam a choisi de jouer différemment, en passant par la  musique. À la sortie de son Ecole de musique (la M.A.I.à  Nancy), il fonde son premier groupe Ravid’Vour’Voir pour sept  années et trois disques de chanson française à tendance festive ; ensuite ce sera Les Garçons Trottoirs : un groupe de rue  avec lequel il va taquiner une folk sauvage, sur trois albums  et dans les Caf’Conc’ même les plus reculés de France. Puis en 2010, il s’est concentré sur ses affaires personnelles, menant  un projet improbable : la co-écriture d’un polar musical de 53 minutes mêlant ses chansons aux images de Frédéric Arnould. Roberdam est têtu. Il va aboutir son concept pour le  faire tourner sur les planches de France, pendant un an, dans  une folle aventure de projections-concerts…  Voilà pour ses années de jeunesse menées tambour  battant. En 2014, Roberdam a décidé d’arrêter de courir. Ou alors il courra tout seul, à son rythme. C’est dans  l’introspection qu’est née l’idée de ce premier recueil en  solo. Lentement, doucement, en structurant des textes et  des mélodies directrices au fil des humeurs et des rêveries. Il lui a fallu trois ans dans sa maison-bateau amarrée au  bassin de La Villette à Paris, pour composer quatre titres  d’abord, enregistrés et arrangés en tandem dans le « home  boat » de son voisin de péniche, le multi-instrumentiste  Quentin Bécognée. Un autre doux dingue. Tout est né là, sur l’eau, le regard pointé « Vers l’avant ». Tout ira très vite, dans l’action, de nouveau. Aux quatre  titres posés sur bande, s’en ajoutera une petite dizaine au  fil de la réflexion, puis mis en musique à l’instinct et dans  l’énergie au Studio Besco (dont il a essuyé les plâtres) avec le  batteur et claviériste Alexis Campet. Les voilà donc, regroupés  dans ce nouvel album solo, Je rêve donc je suis.

(Photo  : Yann Orhan)

Interview :

Tu es parti à 23 ans de Paris pour faire une école de musique à Nancy, mais avant cela, tu jouais déjà de la musique ?

J’avais monté des petits groupes dans la région parisienne. A partir de la terminale, je passais plus de temps à écrire des textes qu’à bosser mes cours. Très vite, j’ai eu des idées précises en tête.

Revenons à Nancy.

Je ne comptais pas y faire de vieux os, sauf que j’ai rencontré quelques musiciens et on a monté un premier groupe qui s’appelait Ravid’Vour’Voir. Très vite, on est parti sur les routes de France. C’était le début d’un métier. Comme on tournait énormément, nous sommes vite devenus intermittents du spectacle. Mine de rien, c’était il y a 17 ans et à ce moment-là, dans toutes les villes de France, il y avait au moins trois ou quatre bars où des jeunes groupes pouvaient jouer. Nous nous sommes retrouvés dans des cafés concerts au fin fond de l’Ardèche et c’était toujours blindé. On ne comprenait pas d’où venaient les gens. Ce qui était génial, c’est que l’on a joué dans des campings où il y avait cinq pelés comme dans un festival au Maroc où on a joué devant 12 000 personnes, dont la famille royale. Nous faisions souvent le grand écart, mais c’était hyper formateur. Pendant cette période, j’ai vraiment appris mon boulot de chanteur.

C’était un groupe comme Les hurlements de Léo, c’est ça ?

Voilà. C’était festif dans la réalisation musicale, dans l’énergie dégagée sur scène,  mais pas du tout dans les textes. C’était plutôt dans le genre « réaliste ».

Le nouveau clip de Roberdam, "Un été sous la pluie", extrait de l'album Je rêve donc je suis.

Tues passé aussi par le groupe Les Garçons Trottoirs.

C’est un groupe qu’on avait monté avec Bruno, le bassiste de Ravid’Vour’Voir. On en avait marre de  notre  groupe dans le sens où c’était devenu un projet assez lourd avec des amplis, guitares, machins et tout… Nous étions fatigués de tourner énormément. On a contacté un pote à nous, Paul, qui était jeune et talentueux à la guitare et au chant et on a décidé de monter un groupe, le plus simple et acoustique possible. C’est parti comme ça. A cela, s’est greffé le frère de Bruno, le premier accordéoniste, Marco… de fil en aiguille, nous nous sommes retrouvés à 6. Les deux premières années, on a joué dans la rue et dans les festivals en plein air. Il y avait une énergie humaine incroyable. Ca a bien fonctionné. On a fait un premier disque super roots, mais super authentique, à la La Rue Ketanou.

Au bout de 4 ans, tu es parti. Pourquoi ?

Le système de groupe me lassait. Je ne m’y retrouvais plus et j’ai eu besoin de faire quelque chose tout seul.

Tu as co-écrit un polar musical, Je voudrais être une star,  avec lequel tu as fait des scènes.

C’était mon premier projet solo, mais accompagné de musiciens, sous le nom Roberdam. Ça m’a fait du bien de ne pas partager avec les autres. Ne plus se justifier sur chaque décision que je prenais devenait primordial. J’avais une soif incommensurable de liberté. J’ai rencontré un réalisateur de clip, Frédéric Arnould, et j’ai flashé immédiatement sur lui. Un jour, il vient me voir dans  mon camping-car pour me dire qu’il a écouté mes maquettes et qu’il est bien embêté parce qu’il voulait faire un clip d’une chanson précise, mais que finalement, il souhaite faire des clips pour chacune. De fil en aiguille nous avons décidé de toutes les cliper. Du coup, il a fallu inventer un lien entre elles. Ca a donné naissance à un vrai scénario et un polar musical de 53 mn. Nous sommes partis 3 semaines en tournage dans la campagne nancéenne avec 35 comédiens. Il y avait aussi le cirque Gones avec nous.

Le premier clip de l'album Je rêve donc je suis, "Vers l'avant".

Tu réalisais un de tes rêves de gamin ?

J’ai toujours rêvé d’être comédien. Frédéric Arnould m’a offert ce rêve. Un album est né de cette aventure. Pour les maisons de disques, le projet était trop compliqué, un disque et un film, ça faisait peur, donc, je n’ai pu le développer nulle part. On a pu montrer le film dans certains cinémas de l’est et j’ai pu ensuite faire une tournée de projections-concerts.

Mais ce n’était pas fatiguant ?

Si, énormément. C’était de l’autoproduction pure et dure. Il fallait que je fasse tout et, en plus, je ne gagnais pas bien ma vie. A un moment, j’en ai eu marre, alors j’ai voulu revenir à des choses plus simples. J’ai pris la décision de tourner seul en guitare-chant. Je me suis aussi promis que je ne sortirais pas de disque sans une prod derrière. Les groupes et l’autoproduction… ras le bol !

"Est-ce que tu m'aimes quand même?" (audio)

Tu as écris les premières chansons de cet album sur ton voilier.

J’étais heureux comme un pape lors de la conception de ce disque. Un soir, je faisais la fête avec des potes sur mon bateau. Un autre vient s’installer sur la place libre d’à côté. Un de mes potes reconnait un copain à lui, Quentin. Il nous apprend qu’il vient s’installer là, du coup, il est venu faire la fête avec nous. La rencontre avec Quentin Bécognée s’est faite ainsi. C’est aujourd’hui la plus belle rencontre musicale de ma vie.

Il avait son studio dans son bateau ?

Oui, c’est dingue !  On est resté trois jours dans ce studio pour enregistrer une vingtaine de titres en guitare-chant. De fil en aiguille, on a fait un premier EP 4 titres. On en était hyper content.

Tu travailles comment ?

Les textes viennent d’abord. Les mots donnent l’ossature  de la musique, le rythme, le relief, une ligne de chant. Le travail d’arrangements est plus difficile pour moi. J’ai eu  besoin de partager et d’échanger avec Quentin sur les musiques et leurs couleurs.

(Photo  : Yann Orhan)

Tu crois au destin ?

La vie est comme ça. Moi, j’ai appris à regarder.

Les signes ?

Oui.

Ta musique, c’est quoi ?

C’est de la pop à la française. Le fait de jouer de la musique plutôt enjouée sur des textes pas très légers, c’est le reflet de ce que je suis. J’ai appris à tout prendre bien. J’ai été élevé ainsi. Quand j’ai un coup de mou, très très vite, je rebondis. J’ai eu un père qui a été malade assez tôt dans ma vie, il en est décédé. Je me suis construit avec ça, mais du coup, je relativise tout. Je peux tout voir avec des lunettes roses. Ça ne veut pas dire que je ne vois pas les choses mauvaises qui existent.

Dans ton disque, tu parles de séparation, du bouleversement du schéma familial qui est compliqué à mettre en place…

Parce que j’ai bien connu tout ça. Mais je retire les avantages de ce genre de situations. J’ai décidé de vivre, alors j’avance et je mène ma vie en essayant d’être le plus libre possible. On n’est pas sur terre pour se prendre la tête. C’est aussi ce que je raconte dans mes chansons.

"Tes dessous" (audio)

Quand je t’ai vu sur scène, la première chose que j’ai remarqué c’est que tu dégages du positif et une aura de sympathie.

La scène, c’est le reflet de la vie et des relations humaines puissance 20. Si tu arrives avec le « smile » sur scène, évidemment, les gens vont avoir le sourire et il y a une forte probabilité que l’on passe un bon moment ensemble, qu’ils adhèrent ou pas à ma musique. Cela dit, je fais tout pour qu’ils adhèrent aussi à ma musique.

Comment fait-on pour voir la vie du  bon côté ?

Personnellement, j’ai vu pas mal de psychiatres et psychologues (rires). Depuis 6 ans, je me suis retourné vers les thérapies brèves.

C’est à dire la sophrologie, l’hypnose ?

Voilà, tout ça. La programmation neurolinguistique m’intéresse aussi beaucoup. La pensée positive, c’est absolument génial. On dégage tous quelque chose, donc on interagit directement sur l’autre.

A travers ton métier, c’est une mission de donner du bonheur aux gens ?

Complètement. En ce moment, ça va même encore plus loin dans ma vie. Je commence en septembre une formation de sophrologue. En parallèle de la musique, j’aimerais être sophrologue ou hypnothérapeuthe. En musique, s’il y a bien un message que j’ai envie de faire passer, c’est : « soyons heureux et respectueux tous ensemble quoi qu’il arrive ». J’ai une vie jonchée de pas mal de galères, que j’ai moi-même créé parfois. Je ne me facilite pas toujours la vie, mais ça ne m’empêche pas d’être heureux coûte que coûte.

Pendant l'interview...

Tu espères quoi en musique ?

J’aimerais que quelques chansons passent en radio et que la réussite de mon disque soit suffisamment importante pour ne pas avoir besoin de faire 100 concerts par an.

C’est-à-dire ?

J’aime le fait d’avoir du temps pour moi, pour mes enfants, pour vivre, pour développer une deuxième activité professionnelle, celle dont je viens de te parler. Quand ça fonctionne moyennement en musique, tu es obligé d’aller sur la route pour avoir plus d’heures qu’il n’en faut pour réussir à dégager un petite 1450 euros par mois, tout compris. Du coup, c’est fatiguant. J’aimerais que cela fonctionne assez pour faire des concerts qui remplissent et pouvoir faire la fine gueule. Pouvoir choisir les dates. Je veux avoir le confort de vie pour tourner moins que d’habitude.

Tu es optimiste ?

Oui. Je crois que c’est un bel album, que je fais de la musique « grand public » et que je suis bien accompagné. J’ai un bon tourneur et de supers manageurs… Je ne suis pas dans une niche, mes chansons peuvent plaire à tout le monde. Après, je ne suis plus maître de grand-chose. Aujourd’hui, j’avance marche après marche.

Après l'interview, le 9 juin 2017.

La passerelle.2 est un lieu de découvertes et de rencontres qui a pour ambition de promouvoir avant tout les bons artistes qui n’ont pas une grande visibilité médiatique. Ce disquaire-café installé au 52, rue Popincourt  dans le 11^eà Paris vous permet de découvrir les artistes de la scène indépendante française dans un lieu unique et chaleureux.

Ce lieu vous propose une sélection de CD, de vinyles et de livres et de nombreux événements. Vous pouvez également y déguster des thés aux saveurs délicates, des bières brassées à Paris, des glaces issues de l'agriculture biologique...

J’aime beaucoup La Passerelle.2. Il m’arrive de m’y rendre pour voir des concerts. Et si j’aime beaucoup l'endroit, c’est parce qu’il est tenu par son créateur, Daniel Zanzara, avec la complicité de Mathilde Duhamel, tous deux éminemment sympathiques et accueillants.

La Passerelle.2 célèbre sa première année ce samedi. L'occasion de faire la fête avec les artistes disponibles qui ont enchanté le lieu au cours de l'année écoulée. Ils vont se succéder dès 15 h jusqu’à 23 heures (liste des participants à cet après-midi exceptionnel, plus bas).

Hier, mardi 25 juillet, s’est tenu une après-midi de rencontres avec des artistes pour préparer cet anniversaire. Je m'y suis rendu. J'en ai profité pour interroger le maître de céans, Daniel Zanzara et de dresser un bilan d’une année d’activité.

Interview :

Pourquoi avoir ouvert ce lieu ?

Pour mettre un sens à mon soutien aux artistes indépendants. Avant, j’allais les voir en concert. J’étais un simple spectateur, mais à force d’établir des relations avec certains, j’ai eu envie de passer à une étape supérieure. Dans ma vie, j’ai eu des circonstances qui m’ont permis de le faire. J’ai décidé d’ouvrir La Passerelle.2.

En une phrase, qu’est-ce que c’est La Passerelle.2 ?

C’est une maison commune pour les artistes indépendants.

Il n’y a que de la musique à l’honneur chez toi ?

Non. Je voulais ouvrir un champ nouveau sur la culture. Ici, il y a aussi des dédicaces de livres, des conférences, des ateliers d’écriture par Jérome Ignatus, des lectures musicales, des réunions à travers lesquelles nous réfléchissons au développement des artistes. C’est un endroit hybride.

Une passerelle, quoi !

Une passerelle.2. Le .2 est très important parce que c’est un  point de rencontres d’artistes. Deux, ça peut-être aussi « d’eux ». .2 parce que c’est un double espace : un café et un disquaire.

C’est un risque financier, non ?

C’est un acte militant. J’ai toujours été un militant dans ma vie. Comme je viens de la comptabilité et de la gestion d’entreprise, j’ai des notions sur la pérennité d’un lieu. J’ai les bases pour réfléchir au développement d’un endroit comme celui-ci. Je n’ai pas fait n’importe quoi. Je reste prudent dans le développement de l’activité.

Quelques artistes écoutant Daniel Zanzara, le 24 juillet 2017, à La Passerelle.2

Depuis un an que La Passerelle.2 existe, quel est ton bilan ?

C’est une activité privée, elle est donc fragile. L’équilibre financier est difficile à obtenir. Il faut que je passe à la vitesse supérieure pour améliorer la pérennité du lieu. Je suis content, car j’ai voulu mettre un sens à La Passerelle.2 et j’ai des retours fantastiques des artistes et du public. Ils ont toujours envie de revenir parce qu’ils me disent avoir vécu une expérience particulière.

Ici, on peut boire, manger et écouter des artistes. C’est un bon résumé ?

Oui, mais incomplet. On peut manger et on peut boire, mais avant les concerts. Je fais attention à ce que le public soit attentif aux concerts avec la meilleure écoute possible. Le lieu est petit, alors s’il y avait trop d’interférences, ce serait dommageable à la création artistique.

A l’heure ou le Limonaire et bien d’autres petites salles ont fermé leur porte, toi, tu ouvres un espace dédié à la culture. C’est ça ton acte militant ?

Je dis juste : « même pas peur ! » Je m’inscris dans la filiation de tous ces beaux lieux qui ont fermé. Ça me questionne sur l’existence dans le temps d’une activité. Tout est très éphémères donc, il faut aller vite. Il faut y aller sans réfléchir, il faut faire.

Quelques artistes écoutant Daniel Zanzara, le 24 juillet 2017, à La Passerelle.2

Comment sélectionnes-tu les artistes qui se produisent chez toi ?

Je reçois beaucoup de mail d’artistes qui veulent venir jouer à la Passerelle.2. Je demande aux artistes de venir ici. Je veux d’abord qu’ils s’approprient le lieu et ensuite, en discutant, j’essaie de comprendre leur exigence et leur originalité. Je ne programme pas tout le temps la musique que j’aime. Je suis un passeur. Ici, ce n’est pas mon appartement. Cela dit, il y a des artistes que j’adore, qui sont les piliers du lieu et qui m’ont donné envie d’ouvrir cet endroit.

Des noms ?

Le groupe La Bestiole, Karina Duhamel, connue sous le nom de K !, Nathalie Réaux alias Pagan Poetry, Karen Lano, Lou et Lizzy Ling sont vraiment à la base du projet. Après, j’ai découvert d’autres artistes qui sont devenus des grands coups de cœur.

Quand tu refuses quelqu’un, tu n’as pas peur de le blesser ?

Non, parce que refuser un artiste ce n’est pas le nuire. Je lui dis que le projet n’est pas encore prêt et lui propose de revenir dans quelques mois. Je ne ferme jamais la porte.

Les artistes ont l’air d’être heureux de l’existence de La Passerelle.2.

Les artistes ont compris que je n’étais pas là pour ramener la couverture à moi, mais offrir un lieu pour tous. On dit que les artistes sont égocentrés. Moi, je pense qu’ils souffrent surtout d’isolement. Ici, ils peuvent se réunir. La quintessence de leur création, c’est de faire quelque chose pour donner à l’autre. Je tente de faire la même chose.

Daniel Zanzara et moi, le 24 juillet 2017.

Pour finir, voici les artistes qui vont se produire ce samedi 29 juillet de 15h à 23h (mais on n’est pas à l’abri que d’autres les rejoignent) :

Aynoa Chris
FERGUS
Magou Samb,
Anne Millioud-Gouverneur
Evie Aurélie Viteau
Marine Williamson
Karen Lano
Patrick Abrial & Jye
Camille Feist
Bénédicte Giordani
Claudio Zaretti
Frédérique Labussiere
Karina Duhamel
Pauline Drand
Pagan Poetry
Marie Lsk
Sébastien Kunz
Rosie Marie
Lembe Lokk
Débora
Jean Peyrelade
Paul Galiana
Yas Yanne Abbad
Caroline Tudyka
Clément NiLem Simounet
Jean Lapierre
Anaïs Mourot
Albert Sellem
La Bestiole (le groupe)
Cat Loris
Laurent Valero

La Passerelle.2

52 rue Popincourt
75011 Paris

Tel : 06 16 35 26 14

Horaires : du mardi au samedi de 10h à 20h